nothing´s gonna change my world

Fleet Foxes - White Winter Hymnal

2008-10-10T19:59:00.002+02:00

Mucho tiempo sin pasarme por aquí. Cuesta actualizar esto y sobre todo cuando no consigues encontrar algo que te provoque algún gesto mayor que un simple arqueo de ceja. Pues aquí lo tenemos.

Una preciosa canción con unas geniales armonías vocales que recuerdan a The Beach Boys y que me emociona con cada escucha.

Dedicado para todas esas personas que, con todas esas pequeñas cosas que hacen, consiguen que el mundo siga girando (que en estos tiempos que corren es muchísimo)

Deuda saldada

2008-07-30T23:48:00.002+02:00

Tenía una promesa pendiente desde hace unos meses. Y la he recordado hace un rato, mientras de vuelta a casa escuchaba la versión que Lemonheads hicieron del clásico Mrs. Robinson.

Xabrés, espero que disfrute de ella tanto como yo poniéndola.

Simon & Garfunkel - Scarborough Fair

Tablón (I)

2008-07-23T18:20:00.000+02:00

Me asombra comprobar lo fácil que me olvido de la suerte que tengo en la vida. De lo rápido que asimilo las ventajas y comodidades que me rodean, sin pararme un rato a pensar en ellas. Como si fuesen elementos de serie en mi existencia, hasta el punto que, cuando éstas desaparecen de forma momentánea, me crea cierto enojo y preocupación. ¿Qué es lo que hace que no dé valor a todas esas pequeñas (o grandes) cosas que hacen mi vida muchísimo más fácil?

Siempre he vivido en eso que se conoce como clase media (si es eso en realidad existe). No me podía permitir ropa de marca (algún capricho de vez en cuando), veranear en sitios de ensueño o estudiar fuera de mi ciudad. Pero nunca me ha faltado casa, comida o apoyo de mis padres para las cosas que he querido hacer. Y, actualmente, mi sueldo me permite no depender de nadie viviendo de una forma desahogada. Teniendo todo esto en cuenta… ¿Cómo puede ser que me cueste tanto sentirme afortunado con lo que tengo? ¿Por qué me resulta tan complicado ser consciente de la suerte que he tenido al nacer y de las facilidades de las que he gozado hasta ahora?

Todas estas cosas se me pasaban por la cabeza esta mañana mientras venía en metro, después de pasar por una parcela de tierra vallada en la que, desde hace unos días, viven tres o cuatro personas. Una de ellas (una señora de unos 60 años) se cambiaba de ropa delante de todo aquel que pasara por allí.

No pretendo convertirme ahora en la madre Teresa de Calcuta. Simplemente tratar de sacar una lección para cuando considere que las cosas vienen “mal dadas” o crea que “la suerte me ha abandonado”. Y entiendo que si queda por escrito será más sencillo.

No quiero parecerme a mi padre!!

2008-07-22T18:18:00.007+02:00

El título es algo sensacionalista pero este tema me preocupa...

Salvo contadas excepciones (Tina Turner y alguna cosa más) mi padre cree que la buena música dejó de hacerse hace unos 25-30 años. Me he peleado con él cantidad de veces intentando demostrarle que esto no es así, pero no se atiene a razones. Considera que todo está inventado desde hace mucho tiempo y que lo que hay ahora no aporta nada nuevo. A mi me parecía increíble que pudiera pensar de esa manera y, sin embargo, empiezo a encontrarme en un situación similar.

Los 90 son mi década. Brit-pop, trip-hop, noise-pop, grunge, pop, rock… se fueron mezclando en mayor o menor medida hasta acabar definiendo mis gustos musicales. Ya fuese por recomendación, por la escucha de alguno de sus temas en Radio 3, por trayectoria o por puro azar, cada compra de un nuevo cd era todo un acontecimiento. Deseaba llegar a casa, ponerlo en el reproductor (desprecintado ya salía de la tienda) y tirarme en el sofá a ver fotos y letras del libreto (o encarte, aunque si alguno conoce un término más correcto…). Cierto es que de vez en cuando alguno de ellos me decepcionaba, pero el nivel medio era francamente bueno.

Y desde hace unos 5 años, la cosa se ha empezado a torcer. En mi opinión, el nivel ha descendido de una forma dramática, algo curioso si tenemos en cuenta que cada día surgen más grupos. Desconozco si es un tema personal (nuevos hábitos, falta de tiempo, cambio de formato cd-mp3, el fácil acceso a las novedades…) o que sigo los pasos de mi padre cuando pienso que desde el año 2003 (por poner una fecha) se ha dejado de hacer buena música. Cuentan que los últimos discos de Panda Bear, Radiohead e incluso Portishead son fantásticos. A mí, sin embargo, me dejan fríos. En los últimos meses, solo dEUS han conseguido entretenerme. Y si pienso en estos años, Arcade Fire, algo de rock electrónico (LCD, !!!)…

Supongo que los pasos a seguir serán recuperar las viejas costumbres y darle a ésta el espacio que se merece. Y si después de hacer esto veo que las cosas no funcionan, me refugiaré en mis “intocables” y comenzaré a preparar historietas con las que aburrir a mis hijos.

PD: flosada (si es que sigues por ahí), tengo curiosidad por conocer tu opinión, así que sería un buen momento para estrenarte. Un abrazo. (¿cuando pasarás por casa este verano?)

dEUS - Instant Street (1999)

2008-07-16T22:16:00.002+02:00

No me gustan mucho las listas (con tanta indecisión dentro es difícil hacerlas), pero creo que si tuviese que hacer una con mis cinco canciones favoritas (y diría que hasta de mis tres) ésta estaría incluida sin ninguna duda.

dEUS se merecen un post de esos que ya nunca escribo. Y esta canción uno pequeñito. ¿Por qué? Pues por ser dos canciones en una, por ese ritmo lento y melancólico de su inicio, por la tremenda voz de Tom Barman... pero sobre todo, por ese final apoteósico, en el que los instrumentos se van uniendo al ritmo de una forma magistral hasta alcanzar un clímax arrollador. No digo más, merece la pena escucharlo.

Dejo también el curioso vídeo de la canción. Está bien, pero la canción está editada. Le han quitado el último minuto y, en este caso, es un pecado

Justice - D.A.N.C.E.

2008-06-23T21:06:00.000+02:00

Scarlett Johansson - Anywhere I lay my head

2008-06-03T16:45:00.002+02:00

La noticia saltó hace unos meses. La niña mimada de Hollywood preparaba disco. El reto (versionear canciones de Tom Waits) parecía arriesgado, aunque para llevarlo a buen término se reunía de grandes nombres de la escena actual (TV on the radio, Yeah, yeah, yeahs, David Bowie…). Y en el recuerdo, su pobre colaboración con The Jesus and Mary chain en el Coachella 2007. Quizás se tratase de un problema de sonido o de una mala grabación, pero aquellos coros no hacían presagiar nada bueno. Y durante ese tiempo, como no podía ser de otra manera, especulaciones y más especulaciones.

Una vez escuchado el disco se comprueba que no hace honor al revuelo generado. No es ni bueno ni malo. Es insulso. Descafeinado, bajo en calorías y de burbujas va justito. La gracia inicial y poco más. Parece que mi opinión no es compartida en muchos foros de Internet, que se han dedicado a ponerlo a caldo, pero entiendo que se debe más al personaje y a la propuesta que al resultado final. Supongo que el no conocer las canciones originales de Sr. Waits hace que haya podido escucharlo de una forma algo más objetiva.

Empecemos por la parte musical. Gran producción, todo suena bien y en su justa medida. Perfecta música de ascensor, de esa que ameniza gratamente esos incómodos momentos que pasamos en él. Correcta pero que, salvo ciertos momentos, cuesta recordar con el paso del tiempo. No innova, no arriesga. Y quizás lo peor de todo es que, con sus carencias, no sirve de acompañamiento a la voz, si no que se diría que es casi al contrario. Esta, en lugar de imponerse y dotar de cierta personalidad al conjunto, se esconde tras una maraña de filtros. Ignoro si esto se debe a una limitación vocal o al estilo que se le ha querido dar al disco, pero no importa. Lo único que consigue es afianzar esa sensación de ligereza y comodidad presente en cada uno de sus temas

Ahora bien, si lo que se buscaba era un perfecto producto de Marketing lo han conseguido. Llevo hablado un rato de un disco que no hubiese merecido reseña de haber venido firmado por X. Me consuelo pensando que otros le han dedicado la portada de su revista…

The Dø - At Last

2008-05-05T22:23:00.003+02:00

A esta alturas del año debería tener el reproductor de mp3 sobrecalentado de tanto escuchar el Third de Portishead. Mientras que trato de digerirlo (y asimilo que quizás se merezca una mala crítica), aprovecho para dejar una cancioncilla que se ha hecho fuerte en el aparatito (y en mi cabeza) y no tiene pinta de querer abandonarme. La banda se llama de The Dø y llegué a ellos a través de un comentario en Hipersónica.

The Dø - At Last

Mentiroso mentiroso

2008-03-08T09:23:00.002+01:00

El día 28 se acerca. El que quiera ir preparandose http://www.ivanferreiro.es/

Esto me suena...

2008-02-23T10:18:00.005+01:00

Me faltaba una sección que aunase dos de mis grandes pasiones: el cine y la música. La inspiración me llego el otro día, mientras escuchaba con yo, yo misma y Celia la canción que hoy presento. Yo me decantaba por Cowboy de medianoche mientras que ella pensaba (y repetía diálogos de la película) en Forrest Gump. Cada loco con su tema. Pero lo importante es comprobar como algunas canciones (o su score) nos remiten inmediatamente a las escenas de las películas donde suenan.

La canción en cuestión es Everybody's talking de Harry Nilsson. Había pensado en incluirla hace tiempo y recordaba la versión de la banda americana Luna, que me gusta pero no me entusiasma. Rebuscando en Internet me encontré otras de artistas tan dispares como Mika, Paolo Nuttini, My morning jacket y... Julio Iglesias!!! Pero sentía que ninguna le hacía justicia (la del Sr. Iglesias era sonrojante). ¿El motivo? En mi opinión, porque se trata de una canción redonda. En todos los sentidos. El estilo country, el tono de voz, ese poso de tristeza...

PD: Gracias por el título!!

El chiqui chiqui a Eurovisión!!

2008-02-20T11:38:00.004+01:00

Se agradecen ideas divertidas, originales e intelegentes como ésta en nuestra maltrecha televisión. Aprovechando la idea de TVE de "democratizar" la elección de su participante en Eurovisión a través de un concurso público en el portal myspace, Buenafuente y sus compañeros de El Terrat han perpetrado una de esas sanas gamberradas a las que nos tienen acostumbrados. David Férnandez se mete en piel de un cantante de reggeaton (Rodolfo Chikilicuatre) y nos presenta su apuesta para este año: El baile del chiqui chiqui. ¿El resultado? Ahora mismo, la canción es la más votada con 30.000 votos.

¿Qué consigue El Terrat con todo esto? Sobre todo publicidad. No se si la necesitaban, pero lo cierto es que ahí está. Además, llegados a este punto cualquier posibilidad es beneficiosa. Si consiguen llegar a la final, estarán consiguiendo darse a conocer en la televisión pública sin pagar un duro. En el caso TVE se inventa alguna excusa para no incluirlos en la final, quizás consigan aún más.

Y todo esto lo están consiguiendo siendo fieles a su estilo, divirtiendo sin ofender. Supongo que habrá gente que no esté de acuerdo y piense que están riendose del festival y ridiculizándolo pero yo no creo que sea así. Solo espero que TVE no se tome demasiado en serio a sí mismo y al festival de Eurovisión (muy soso al menos desde que yo tengo uso de razón) y le den la oportunidad al menos de estar en la final.

Todos a bailar el chiqui chiqui!!

Cloverfield

2008-02-12T22:28:00.002+01:00

Voy a empezar con un tópico que, en este caso, creo acertado. Hay dos formas de ver Cloverfield. Si uno trata de seguirla como una película más se encontrará un guión con altibajos, personajes bastante sosetes, diálogos absurdos (y, en algunos momentos, ridículos), una cámara molesta (acepto que mientras corres no puedas grabar bien, pero ni siquiera en la fiesta eres capaz de encuadrar! Y por cierto, si temes por tu vida; ¿Por qué no te olvidas de la cámara?), sustos previsibles… Podría pasarme así un buen rato y dejarla a la altura del betún.

Pero también podemos dejarnos engañar por el director (y, sobre todo, por el productor y cabeza visible del proyecto, J.J. Abrams), olvidarnos de que lo que estamos viendo es cine (todavía tengo dudas de que lo sea) y asistir al espectáculo de la misma forma que nos subimos a una montaña rusa, con una mezcla de miedo, curiosidad y toneladas de excitación. El resultado es más o menos el esperado: 80 minutos de tensión, nervios, inquietud y… una historia de amor?

Existe una tercera opción que consiste en la mezcla de las dos primeras. Esta es la mía. Lo que he visto me entretiene y divierte pero… siempre el dichoso pero. Me resultan inverosímiles ciertas situaciones, algunos momentos son tan histriónicos que, en lugar de generarme más tensión, me hacen gracia, y el formato, aunque necesario, me acaba cargando a pesar de su corta duración.

Pero no todo van a ser palos. A su favor puedo decir que, una vez iniciada la acción, es trepidante, no hay momentos de tregua. Y se agradece. El punto más novedoso, sin embargo, reside en sus personajes. No existe la figura del héroe y esto agrava más la sensación de desconcierto. No pueden oponer resistencia y solo intentan escapar, es decir, lo que haría cualquier persona es su situación. De esta forma, Cloverfield consigue (en mi caso por momentos) que el espectador se vea reflejado en estos personajes y desarrolle una fuerte empatía hacia ellos. Supongo que se debe a una necesidad de seguridad. Necesitamos que consigan escapar para sentir que nosotros también lo conseguiríamos en un caso similar. Ese es el punto fuerte de Cloverfield, que juega con nuestro miedo a sufrir una situación así sin garantías de sobrevivir a ella.

La decisión es del espectador. Salir enfadado por haber asistido a una discreta película o disfrutar del producto sin más pretensiones. Para el que quiera ir aún más allá, existe todo un mundo por descubrir en Internet y en las más que posibles sucesivas entregas…

¿Quién es Adele?

2008-02-10T22:49:00.001+01:00

¿Quién es Adele? (El Pais, 10/02/2008)

Videografía (III)

2008-02-03T21:38:00.000+01:00

Foo Fighters nunca han sido uno de mis grupos favoritos. Me parecen una banda correcta, con canciones pegadizas y algunos grandes temas. Pero poco más. Sin embargo, sus videos siempre me dejan una sonrisa en la boca. Una historia simple, mucho sentido del humor y la ganas de la banda de disfazarse dan como resultado unos videos agiles y divertidos.

Quizás estos dos no sean sus videos más conocidos (¿Quién no ha visto Learn to flight?) pero si son dos de los que más me gustan.

Big me (Director: Jesse Peretz)

Everlong (Director: Michel Gondry)

BRMC - Whatever happened to my rock n' roll (punk song)

2008-01-23T21:31:00.000+01:00

Malos tiempos para el mundo del blog. Poco tiempo para ponerse a escribir y cuando hay un rato apetece más leer, ver una serie... Tengo alguna idea, pero he decidido posponerla por un buen motivo. En mi opinión, una de las mejores canciones de esta década que merecía aparecer aquí hace ya tiempo.

Al mismo tiempo que en Nueva York surgía una de las banda mas cool de los últimos años (The Strokes), en la costa oeste de los EEUU se daba a conocer una banda de nombre muy cinematográfico, Black Rebel Motorcycle Club (tomado de la película El salvaje, protagonizada por Marlon Brando). Era el inicio de la década (2001) y la aparición de estos grupos junto con algún otro hizo que se hablara de un renacimiento del rock americano. El paso del tiempo siempre pone a cada uno en su sitio y se demostró que aquello no era para tanto. Pero no se puede negar que este movimiento tuvo momentos de esplendor.

Su álbum de debut era irregular. Muchas de sus canciones no estaban mal, pero palidecían de forma evidente ante un puñado de enormes composiciones llenas de fuerza y fiereza. Contundentes, electrizantes. Y pegadizas. De esas que puedes escuchar 5 o 10 veces seguidas sin cansarte. Y entre ellas, dos sencillamente arrolladoras. He tenido que elegir y hoy ha tocado ésta. Algún día caerá la otra.

Whatever happened to my rock n' roll (punk song)

Momentos (o canciones que me ponen la piel de gallina) (II)

2008-01-20T17:41:00.000+01:00

Rescato otro de esos momentos para el recuerdo y esta vez con una de mis bandas favoritas. Ya han aparecido unas cuantas veces pero son de los pocos grupos que últimamente me provocan emocionantes y eufóricas sensaciones. Y es que sus canciones se transforman en directo en auténticos himnos a los que siempre me uno con la voz quebrada y el corazón a punto de explotar.

En Paredes de Coura se celebra desde hace 15 años uno de los mejores festivales de música de la península. Como todos, empezaron con un cartel fundamentalmente autóctono que fue ganando importancia con el paso del tiempo (la inclusión de bandas extranjeras de relevancia se produjo hace aproximadamente 10 años). Mi primera experiencia allí fue en el año 99, cuando el bajo precio de sus abonos (apenas 5000 pesetas) y la presencia de grupos como dEUS, Mogwai o Suede lo convirtieron en irresistible. La realidad se quedó a medias, con unas infraestructuras que dejaban un poco que desear. Acampada libre en medio del monte (en nuestro en caso, en una ladera) y muy escasos servicios. Portuguese way of life. Pero a favor contaban con un cartel magnífico y uno de los escenarios más curiosos e impresionante que he visto jamás. Éste está montado delante de unos enormes árboles, que pueden observarse durante la actuación (sin telón de fondo, claro) y que le confieren un toque muy especial, casi mágico.

Pero vamos al momento en sí. En Agosto del 2005 hicimos nuestra escapa anual a Paredes. En los últimos años han sido escapadas de un día, debido a fundamentalmente al trabajo, a las poca ganas de dormir en cuesta y a la enorme subida de precios en el abono. Ese año el reclamo era evidente, la vuelta de uno de los grupos más importantes de las últimas décadas: The Pixies. Y como segundo plato, los canadienses Arcade Fire. La crítica había encumbrado a estos canadienses a los altares después de la publicación de su primer disco, algo que me parecía desproporcionado después de escucharlo. Sin embargo, me picaba la curiosidad por verlos en directo. Y ahí sí que no defraudaron. El inicio fue sencillamente insuperable. El comienzo de Wake up, en el que todos gritan al unísono mientras tocan sus instrumentos puso al público la piel de gallina, con la sensación de que estábamos asistiendo a algo único. La épica del tema (y de los que siguieron), que iba aún más allá que en el disco, unida a la belleza del lugar y de aquel escenario hicieron que la euforia y energía de la gente creciera hasta convertir aquello en una especie de comunión musical. Una adhesión a aquella religión que nos había abierto los ojos y que, en mi caso, continúa a día de hoy.

Arcade fire - Wake up

Barriendo para casa

2008-01-12T13:37:00.000+01:00

… pero poco. Su procedencia pontevedresa (podría decir viguesa, pero uno de ellos siempre se ha declarado “de Nigrán”) les une en este post, aunque quizás mereciesen uno propio porque calidad les sobra.

La familia Ferreiro ataca de nuevo. Y esta vez por partida doble. Después de publicar Canciones para el tiempo y la distancia y el mini-lp La siete y media (nominado este año a un Grammy latino) y de una extensísima gira, parece que sus caminos se separan y emprenden el vuelo en solitario (y digo parece porque, aún a riesgo de equivocarme, estoy seguro de que seguirán colaborando como hasta ahora).

Iván avanza el que será su próximo disco, Mentiroso mentiroso, con este bonito tema que lleva por titulo Meteoro y el señor conejo.

Amaro, la otra cabeza pensante del proyecto conjunto, publica su primer disco. El álbum, la ciudad de las agujas, está disponible en atunes y el cd puede ser adquirido en su página web. Por lo que he podido escuchar, es evidente que temas como Turnedo o S.P.N.B. no fueron fruto de la casualidad. Musicalmente, los temas son intachables, algo que podría parecer muy complicado para un novato. En su caso, se notan los casi dos años de gira previos. Para letras y voces, necesito meterme un poco más en las canciones pero también prometen. Por ponerle un pero, el vídeo no me dice nada. Por lo demás, felicidades Amaro!

Hace años tuvimos una discusión acerca del tiempo que tardaba un nuevo estilo en llegar a España. Después de darle muchas vueltas llegamos a la conclusión de que tres años era el tiempo más o menos aproximado que se necesitaba para publicar un primer disco. Pues bien, esta descabellada teoría se cumple ahora con The Blows, la respuesta española a bandas como Franz Ferdinand, Bloc Party, The stokes… La primera vez que oí hablar de ellos fue hace 4 días así que no puedo hablar demasiado de ellos, Se que han participado ya en algunos festivales, que son un grupo muy seguido en myspace y que sus canciones son francamente buenas. Suficiente, no?

Goldfrapp - Felt Mountain

2008-01-07T10:07:00.000+01:00

Ya llevaba algunos días tratando de elegir la mejor forma de presentar a este dúo. A veces tanta excentricidad es difícil de explicar con palabras. Pensé en dejar volar mi imaginación y escribir, a modo de brainstorming, lo que me sugería su música pero no me convencía. Una presentación clásica tampoco les haría justicia. Por suerte, ayer encontré la solución.

Pues bien, Goldfrapp se dieron a conocer con su mejor disco, Felt Mountain. En apenas 40 minutos, el dúo recopila un conjunto de nanas retorcidas apocalípticas, asesinas, cabareteras… ¿Su estilo? En casos como este siempre es más fácil prestar el cd (cuidado cuando lo hagáis!! Los inspectores de la SGAE están al acecho) y que cada uno lo interprete a su gusto. Hay electrónica, folk (que yo llamaría ecofolk o folk de la montañas), se percibe algún atisbo de cabaret (un avance de lo que sería su segundo disco), bandas sonoras de spaghetti-western y James Bond (siempre se han declarado grandes fans de Ennio Morricone)… Una mezcla que podría resultar imposible, pero que en sus manos se vuelve tremendamente sugerente y atractiva.

Dicha fusión se sustenta sobre ciertos elementos comunes: bases electrónicas e instrumentos de cuerda y viento, ese aire alpino lleno de paz y la voz de Alison. Si a eso unimos una magnífica producción (todo suena en su momento y en su justa medida) nos encontramos con uno de los discos mas extraños, retorcidos y bellos de los últimos años.

Su segundo disco se quedó a medias. El electroclash llegó a sus (y nuestras) vidas, inundando Black cherry de sexo y petardeo. El cambio de estilo resultaba muy convincente en temas magnífico como Train o Strict machine, pero el hecho de que la mitad de sus canciones recordasen a Felt mountain les hacía perder credibilidad. Aquella mezcla ya no tenía sentido y el nivel bajaba considerablemente. Los singles de su tercer disco auguraban pocos avances. Veamos ahora, con la publicación de su cuarto álbum, si las expectativas de sus inicios se han convertido en realidades o se han perdido por el camino.

Pilots

Nick Drake - Northern sky

2007-12-30T10:11:00.000+01:00

I never felt magic crazy as this
I never saw moons knew the meaning of the sea
I never held emotion in the palm of my hand
Or felt sweet breezes in the top of a tree
But now you're here
Brighten my northern sky.

I've been a long time that I'm waiting
Been a long that I'm blown
I've been a long time that I've wandered
Through the people I have known
Oh, if you would and you could
Straighten my new mind's eye.

Would you love me for my money
Would you love me for my head
Would you love me through the winter
Would you love me 'til I'm dead
Oh, if you would and you could
Come blow your horn on high.

I never felt magic crazy as this
I never saw moons knew the meaning of the sea
I never held emotion in the palm of my hand
Or felt sweet breezes in the top of a tree
But now you're here
Brighten my northern sky.

The Beatles - With the beatles

2007-12-28T00:15:00.000+01:00

Entre With the beatles y su antecesor apenas cuatro meses de diferencia. Sin llegar a los niveles actuales, está claro que se trataba de aprovechar el tirón del anterior. Y vaya si lo consiguieron. Fue número 1 en listas británicas durante 21 desbancando a Please please me . La Beatlemanía comienza a tomar forma.

En cuanto a su contenido, pocas novedades. Tan poco tiempo no permite hablar de evolución. Un disco compuesto por temas nuevos y varias versiones de clásicos de la Motown y R'n'B. Supongo que la mayor novedad está en el hecho de que una de las canciones propias venga firmada por George Harrison, debilidad personal siempre a la sombra de los genios (y egos) de Lennon y McCartney. No es que el suyo sea un gran tema (aunque si se nota cierto alejamiento de ´las composiciones de sus compañeros) pero mejoraría con los años. Bueno, y también dejaron que Ringo hicieses sus pinitos en las voces.

Quizás los recuperé más adelante y reconozca sus grandes virtudes pero estoy deseando que lleguen las emociones fuertes.

I wanna be your man

PD: He de reconocer que le he cogido una manía a All my loving... Cuando la oigo solo soy capaz de ver a Los manolos delante. Algunas cosas merecerían la cárcel!

Portishead - All Tomorrow's Party

2007-12-20T16:37:00.000+01:00

Me prometí a mi mismo que no volvería a caer, que tenía que empezar una cruzada contra el uso de cámaras/móviles en los conciertos, que no aportan nada y que más vale esperar… pero es que son PORTISHEAD!!

Su retorno está mas cerca. Ya he podido escuchar su concierto de hace un par de semanas en el festival All Tomorrow’s Party en el que, además de sus clásicos, interpretaron algunos temas nuevos. Y tienen muy buena pinta. Cierto es que soy un público fácil, pero puede ser que haya merecido la pena la espera. Solo queda ver cual es el resultado en el estudio de grabación pero me voy apuntando su disco como uno de los importantes de 2008.

Y aprovecho para pedir gira para el año que viene. Nada de festivales con actuaciones mutiladas!!

Peaches

Pero… ¿Qué has hecho? (II)

2007-12-18T21:22:00.000+01:00

Segundo capítulo de carreras meteóricas que, por desgracia, se acaban estrellando. Dos primeros discos ejemplares dieron paso a una decepción tras otra. Supongo que en el fondo eso es lo que más acaba doliendo, que un grupo con potencial suficiente para llegar adonde quiera, se acomode y deje de sorprender. Siempre se le exige más al que más capacidad tiene.

Placebo irrumpieron en 1996 con un disco ambiguo, descarado y potente. Guitarras aceleradas, ritmos contundentes y mucho glam. Al frente de la banda Brian Molko, un muchacho bajo y algo enclenque pero poseedor de un gran voz (aguda y nasal, que podría confundirse con la de una chica) y un enorme carisma. A pesar de que despertaron mucha curiosidad por su ambigüedad sexual y sus oscuras letras, lo cierto es que ese primer álbum homónimo estaba plagado de hits enérgicos tales como Nancy boy, 36 degrees o temas tristes y depresivos como Lady of the flowers.

En 1998 llego el siempre complicado segundo disco, aquel que marca la línea entre el momento de inspiración y la clase. Y Without you I’m nothing era el mejor disco posible. Mantenía todas las virtudes del primero y ofrecía muchas mas cosas. Era mas completo más redondo. Los temas más acelerados seguían sonando potentes y ansiosos. La sorpresa llegaba en las canciones más lentas y/o decadentes. The crawl, My sweet prince y el propio tema que da título al disco (tanto en la versión original como en el dueto con el mismísimo David Bowie) ponen los pelos de punta.

Por desgracia, su mayor acierto fue su condena en los siguientes discos. Aquella mezcla de tempos se convirtió en una constante en el sentido negativo de la palabra. Todo se convirtió en repetitivo y rutinario. Algún tema resultón (sobre todo en su tercer álbum) parecía recuperar la chispa pero, globalmente, con cada nueva entrega se perdía algo de aquella alma inquieta. La última muestra de esto la dieron con Meds. En este caso hablaban de una vuelta a sus orígenes, a la frescura de sus primeras canciones. El resultado como cabía esperar se quedó muy lejos de los prometido. Solo se salvaba la muy estimable Meds, cantada a dúo con VV (The Kills).

En directo más de lo mismo. Tuve la ocasión de verlos por primera vez en el verano de 1998, antes de publicar su segundo disco y me fascinaron. Cuarenta minutos de energía y actitud para un concierto perfecto. Luego he tenido la ocasión de asistir a un par de ellos más y todo era muy parecido y previsible. Ahora cambio de guitarras, aquí pego un par de botes…

Hace unos meses, su batería dejo la banda alegando “diferencia personales y musicales”. A pesar de que Brian y Stefan Olsdal han comentado que piensan continuar con el proyecto intuyo que el final está cerca. Aunque creo que llega tarde.

36 Degrees

My sweet prince (Directo 1998)

15 segundos de desahogo...

2007-12-10T13:28:00.000+01:00

Casi me había olvidado pero la columna de hoy de Carlos Boyero me lo ha refrescado. Hace un par de semanas me compré la nueva edición en DVD “Drácula” y unos días después decidimos verla. Lo primero que me encuentro al reproducirlo es un anuncio antipiratería. Primer mosqueo. Pero este se tornó en cabreo cuando una vez pulsado el botón de “comenzar película” y justo antes de que comenzase, repiten el anuncio!!

A quien corresponda (señores de la SGAE, ministerios…), estoy HARTO de que inunden con sus anuncios productos por los que pago. Que pongan los anuncios en la tele, pero no en una película que pago por ver en el cine o en un DVD. Y para colmo deciden por mi que he de verlo, puesto que el DVD no me permite saltarmelo ni hacer un avance rápido. De verdad, con su campaña de concienciación están consiguiendo que me den ganas de dejar de comprar.

He dicho.

Videografía (II)

2007-12-05T12:32:00.000+01:00

Tengo un amigo que dice que toda persona a la que le guste la música ha sido fan de Dire Straits durante su adolescencia, pero que ese interés se pierde por el tiempo. Estoy totalmente de acuerdo con la primera parte y, a pesar de que ése sea mi caso, menos con la segunda. Reconozco que llegué a cansarme un poco de ellos. El canto de sirenas de la música indie fue demasiado poderoso. Pero eso no impide que cuando escucho alguna de sus canciones, las disfrute mientras asoma por mi boca una sonrisilla de nostalgia. Me ha pasado esta mañana escuchando una versión de Romeo and Juliet y me pasó hace una semana mientras pensaba en temas para esta sección.
¿Qué el video se ha quedado desfasado? Pues claro. Pero es que han pasado más de 20 años de su realización y el mundo de la animación se ha desarrollado a pasos agigantados. Yo recuerdo haberme quedado alucinado la primera vez que lo vi (bueno, primera vez y sucesivas). Así que hoy toca echar la vista atrás, recuperar esos momentos que Héitor explica en sus “películas de mi infancia” y hacer un homenaje a los clásicos.

Dire straits - Money for nothing

Momentos (o canciones que me ponen la piel de gallina)

2007-11-30T20:56:00.000+01:00

A este paso, cada post que abra se convertirá en el inicio de una nueva sección. Me cabeza se dispersa con facilidad. En este caso hablaré de canciones que me agitan y conmueven. Esas que hacen que se me ponga la piel de gallina y que contenga una lagrimilla de emoción.

Y para abrir la sección Alpha, banda de Bristol surgida en la segunda mitad de la década de los 90 bajo el amparo de Massive Attack. Si bien fueron clasificados dentro del trip-hop, su estilo difería bastante de estos. Podrían ser las dos caras de una misma moneda (moneda en la Portishead sería el canto. Aquí me he lucido). Muy etéreos y con una voz mucho más dramática.Había oído hablar de ellos (con críticas muy favorables de su primer disco) pero mi primer contacto con su música fue un set en directo de 5 o 6 canciones en la radio. Y Sometime later se quedó en mi cabeza durante mucho tiempo. Ese toque de melancolía y dramatismo unido al aire jazzístico que impregna toda la canción la hacen, en mi opinión, perfecta.

Ya convertida en una de mis canciones favoritas, me encontré de nuevo con ella en una película. Isabel Coixet la utilizó en Mi vida sin mi para ambientar la escena en la que Mark Ruffalo vuelve a la lavandería después de comprar un par de cafés y se encuentra a Sarah Polley completamente dormida. Esos 15 segundos no tienen dialogo ni tampoco lo necesitan. La canción y la forma en la que él la contempla lo dicen todo. Y a mi, siempre se me pone un nudo en la garganta.

Sometime later

Mi vida sin mi

Josh Rouse 22/11/2007

2007-11-27T22:10:00.000+01:00

Después de perderme a Wilco hace un par de semanas, el jueves pasado le tocaba el turno al segundo concierto importante del mes de Noviembre, Josh Rouse. El músico de Nebraska venía a presentar su último disco Country mouse, city house y lo hizo ante una sala prácticamente llena y bastante entregada. No sé si su éxito se debe al hecho de tener una novia española, de vivir aquí (a caballo entre Brooklyn y Valencia y anteriormente en Altea) o solo a su música. Pero de lo que no hay duda es que aquí tiene una legión de seguidores.

Comencemos. Primera parada, el “artista invitado”. En este caso se trataba de Aaron Thomas, un completo desconocido para mi. En una visita días atrás a su página de myspace me llamo la atención su voz. A falta de una definición mejor diré que sigue el modelo Tom Yorke. Que miedo. Hay tantos (Coldaplay, Travis, Muse…) que ya cansa. Y el problema no es solo el tono, sino que, a veces, parece que sólo hay un estilo de música con el que se complemente. Pues, por suerte, este no es el caso del Sr. Thomas. Tampoco es que suene especialmente original, pero picando de aquí y de allá (desde cierto toque Tom Waits hasta momentos de auténtico rock) consigue que el resultado suene fresco y entretenido. Como curiosidad, la banda utiliza un contrabajo en lugar de un bajo eléctrico. No muchos grupos lo hacen y la verdad es que es una pena porque aporta un toque muy especial.

El concierto de Josh Rouse tuvo de todo. Y todo bueno. Podría hablar de los clásicos problemas de sonido que se repiten un día sí y otro también (¿Por qué esa necesidad de que sintamos el bajo en el suelo de la sala y en nuestro propio estomago?). Pero cuando suenan seguidas Love vibration, His majesty ride y Quiet town y sientes como una enorme emoción recorre cada centímetro de tu piel; ¿Quién se acuerda del sonido? Las canciones de Josh Rouse son pequeñas joyas. Un cuerpo sencillo arropado por unos arreglos perfectos (mis preferidos, los de Subtitulo). Es prácticamente imposible que en directo suene igual (pienso que un sonido tan limpio solo se puede conseguir en estudio), pero no hace falta. La entrega e ilusión de una banda muy bien engrasada compensaron cualquier contratiempo e hicieron que el público disfrutase. Emocionando en los momentos pausados y haciendo bailar (de forma discreta) en los más movidos. Y él, muy bien en su papel. No abusando de los momentos de charla a pesar de su dominio del castellano y mostrándose muy accesible. Interpretó varios temas de su último disco y bastantes antiguos y después de dos bises (el último de ellos muy cortito, tan solo un tema), se fue dejándonos con ganas de mucho más.

Love vibration

PD: En Youtube hay unos cuantos videos decentillos del concierto de Madrid. Pero este del concierto de Lisboa de ayer está bastante mejor.

Facto delafé y las flores azules

2007-11-26T12:45:00.000+01:00

Con discos como éste mi fama de rarito se extiende. Mi ultima adquisición, el primer disco de Facto delafé y las flores azules, Facto delafé y las flores azules vs. El monstruo de las ramblas. La banda de Barcelona acaba de publicar el segundo, por lo que me pareció un buen momento para recuperar su anterior trabajo. La única referencia que tenía cuando los escuché por primera vez era Helena Miquel, su cantante. Helena era la voz de Elena, banda catalana a la que había visto una vez en televisión (Los conciertos de Radio 3) y que me había dejado un buena impresión

Facto delafé no suenan a nada conocido, al menos en España. Su estilo es conocido como hip-pop, por razones obvias. Algunas bases y la forma de cantar remiten al estilo creado en New York, pero se complementan con melodías cercanas al pop y estilos más clásicos.

El resultado de todo esto suena así.

Mar el poder del mar

The Beatles - Please please me

2007-11-09T00:16:00.000+01:00

Año 1963. The Beatles aprovechan el tirón de sus dos primeros singles (Please please me y Love me do) para publicar su primer disco, Please please me. George Martin, su mítico productor (y consideramos por muchos como “el quinto Beatle”), considera que lo mejor sería grabarlo en directo en The Cavern para tratar de reproducir lo más fielmente posible las actuaciones de la banda. La idea es finalmente desechada y se realiza en los estudios Abbey Road en un solo día, repartido en tres sesiones de aproximadamente tres horas cada una. En el disco se incluyen las 4 canciones publicadas anteriormente en sus singles, 9 temas nuevos y una versión (Twist and shout)

El disco alcanzó el número 1 en la lista de ventas en el Reino Unido el 11 de Mayo y se mantuvo en ese puesto durante 30 semanas, en el que fue remplazado por el segundo álbum del grupo.

El estilo de este primer álbum muestra bien a las claras lo que será el sonido fresco y despreocupado de los comienzos de The Beatles, con sus letras simples (Love, love me do / you know I love you) e ingenuas. Como álbum de debut no está mal y tiene momentos buenos. De ahí a que Rolling Stone lo considerase el 39º mejor álbum de la historia de la música (lista de los 500 mejores, año 2003) media un abismo. Quiero creer que se debe más al hecho histórico en sí que no a la calidad del disco.

Love me do

PD: Próxima entrega, With the Beatles

Estrenos musicales

2007-11-06T22:51:00.000+01:00

Dos películas con claro sabor musical están pendientes de estreno es nuestro país. Ambas tratan de contar la historia de un intérprete aunque, aparentemente, lo hacen desde puntos de vista muy diferentes.

Control narra la vida de Ian Curtis, líder de una de las bandas más importantes e influyentes surgidas del Reino Unido en las últimas décadas, Joy Division. Para interpretarlo, se ha elegido a un actor casi desconocido, Sam Riley. La película ha sido dirigida por un debutante que, sin embargo, cuenta con una gran experiencia en el campo de la fotografía y del videoclip. Antón Corbijn ha trasladado al film la estética de sus trabajos anteriores (el blanco y negro ha sido siempre una de sus señas de identidad) y, una vez visto el trailer, el resultado promete ser bastante sobrio y siguiendo los patrones clásicos del cine.

Todo lo contrario pinta el otro estreno, I’m not there. ¿Qué la película es sobre Bob Dylan? Pues mira que bien. ¿Qué está inspirada en su vida y obra? Suena raro. A saber como habrán interpretado sus canciones. ¿Qué 6 actores hacen de Dylan, entre ellos Richard Gere, un niño negro y que la mejor interpretación es de una mujer (Cate Blanchett)? Esto empieza a superarme. ¿Qué la dirige Todd Haynes? ¡Qué miedo! Su anterior incursión en el mundo de la música, Velvet goldmine, era francamente mala. En resumen, un experimento que supongo que no dejará indiferente a nadie

Suzanne Vega, the Storyteller

2007-10-31T23:20:00.000+01:00

Como ya comenté hace un par de semanas, me apetecía mucho volver a ver a la gran Suzanne Vega subida a un escenario. El tiempo transcurrido (unos ocho años) y el gratísimo recuerdo que me dejó aquel primer concierto eran motivo suficiente para no dudar demasiado, a pesar del alto precio de las entradas. Tanto el recinto (de nuevo un teatro) como su acompañamiento (esta vez venía con toda una banda) prometían mucho. Y, a pesar de que fue un muy buen concierto, no consiguió transmitirme tanto como aquella primera vez. Por desgracia es algo que comienza en convertirse en norma (este año me ha ocurrido también con Björk y The Arcade Fire). ¿Perdida del factor sorpresa?

El concierto arrancó de forma muy peculiar. Suzanne entró sola al escenario y mientras cantaba a capella Tom’s Diner, los componentes de su banda hacían acto de presencia interpretando a personajes del clásico. Una vez estuvieron todos sobre el escenario, se presentó y explicó que interpretaría canciones de su nuevo disco, Beauty & Crime, y algunos clásicos. Finalmente fueron unos 20 temas repartidos de forma casi equitativa.

El concierto tuvo momentos brillantes, como el maravilloso inicio con Marlene on the wall (uno de mis temas favoritos), los temas que interpretó sola con su guitarra acústica (emocionantes Gipsy y The queen and the soldier), Blood makes noise (en la que se hacía acompañar solo por el bajista) y algunas canciones nuevas como Frank & Ava o Zephyr and I (que fue la que cerró la noche). Pero… el gran pero fue una vez más el sonido. No digo que fuese malo (lo cual sería un pecado tratándose de un teatro). Digamos que no fue todo lo bueno que esperaba. Para mi gusto la mezcla estaba un poco alta, lo que hacía que Suzanne tuviese que subir su voz más de lo necesario en ciertos momentos. Y cuando las guitarras eléctrica y acústica debían sonar simultáneamente, la segunda quedaba totalmente sepultada por la primera. Sonido aparte, no me convenció la interpretación de Left of center (mismo formato que en el caso de Blood makes noise, con resultados totalmente opuestos) y habría dejado fuera alguna canción nueva (reconozco que es un buen disco, pero lo tocó casi entero).

Mención especial merece la propia Suzanne. Me parece una artista ejemplar. A pesar de hablar muy poco español, lo utilizó en algunos momentos de la noche y hasta nos regaló una de las estrofas de Luka en nuestro idioma. De todas formas, su modo de hablar pausado y su casi perfecta dicción, hacía que entenderla resultase sencillo. Otro de sus puntos fuertes es su sentido del humor. Cada una de sus canciones estuvo acompañada de una historia o anécdota. He asistido a conciertos en los que los artistas se pierden en divagaciones tan estúpidas que dan ganas de gritarle que no se le paga para eso. Sin embargo, en este caso no se hacían nada pesadas y resultaban un complemento perfecto a cada tema (también es cierto que este tipo de cosas se agradecen mas cuando presencias el concierto sentado). Pero por encima de todo, quisiera destacar su personalidad y su enorme clase. Supongo que eso se ensaya, pero en ella parece algo innato, nada premeditado. Podría pensarse que todo ello es debido a sus años de experiencia, pero he visto videos de hace 20 años y no creo que haya cambiado demasiado (si ha cambiado, y por suerte, su vestuario. ¡Qué daño hicieron los 80!).

Y así transcurrió la hora y media de concierto. Inicialmente fue hora y diez, aunque la neoyorkina llego a salir hasta en tres ocasiones más. De todas formas me sigue pareciendo corto, porque Suzanne Vega tiene un magnífico repertorio y se dejó grandes canciones en el tintero y porque 60 € bien se merecen un par de horas de concierto. En definitiva, un buen concierto. Sigo pensando que ella es un valor seguro en directo e intentaré repetir en unos años.

Dejo el video de Frank y Ava y, para el que se aburra mucho, un link a un comentario de la propia Suzanne sobre su último disco.

Comentario de Suzanne sobre "Beauty & Crime"

PD: Juraría que el bajista era el mismo que la acompañaba hace 8 años. Intentaré investigarlo.

Videografía

2007-10-25T18:02:00.000+02:00

Todo escritor se debe a sus lectores. Y mi caso no va a ser distinto. Después de una masiva petición por parte de mis seguidores, he accedido a abrir una serie con los videos más curiosos y originales que recuerde. Como ya he añadido algunos de ellos en anteriores posts (Just de Radiohead, Sabotage de The Beastie Boys, Fell in love with a girl de The white stripes...), es posible que incluya algunos por razones sentimentales. Pero espero que todos ellos tengan algo que los haga diferentes y atractivos.

Comienzo con uno de los videos más emitidos en los últimos diez años. Fue muy polemico en su momento (todavía me pregunto el porqué) y, a día de hoy, sigue resultando impactante. La canción se titula Teardrop y fue escrita por Massive Attack. El director del video es Walter Stern, que ha trabajado también con David Bowie, The Verve o Bloc Party.

PD: Aclaro el tema de la masiva petición. Podría decir que el número de personas que leen el blog (o, al menos, que comentan) es 4 o 5. La petición fue hecha por una sola persona (Heitor, el merito es todo tuyo), con lo cual, podemos decir que esta petición fue hecho por un 20-25%. Si suponemos que la audiencia potencial de este blog es de... 100 millones de personas (aunque son muchas más, teniendo en cuenta que la población mundial es de unos 6.000 millones de habitantes), realmente esta petición esta hecha por unos 20-25 millones de potenciales lectores. Vale. Otra tontería. Pero a los politicos y creadores de estudios estúpidos les funciona, no? :)

Suzanne Vega - New York, I love you

2007-10-18T18:46:00.000+02:00

Ya tengo mi entrada para ver a Suzanne Vega el día 30 de Octubre en el teatro Calderón. A pesar del precio (45 €, aunque en realidad son entradas de 60€), el recuerdo que tengo de la primera vez que la vi es tan bueno que no tuve muchas dudas. No sé porque extrañas circunstancias la neoyorkina acabó actuando en el verano del 99 (¡Gran verano! REM, Deus, Mogwai, Suede...) en el cine Fraga. Mis referencias eran muy escasas. Apenas el famosísimo Luka y una entrevista en Lo + plus en la que interpretó dos temas. Sin embargo, siempre he pensado que a estos eventos hay que asistir para demostrar que conciertos como éste tienen suficiente apoyo. El resto de la ciudad no pensaba lo mismo, porque la asistencia fue bastante pobre (de hecho, bajaron a la gente del anfiteatro para que llenar la parte de abajo y ni aun así lo consiguieron). Ellos se lo perdieron porque el concierto es uno de los mejores que he visto en mi vida. La propuesta era, en principio, austera, pero finalmente se reveló como un acierto total. Ella y el bajista que la acompañaba consiguieron emocionarnos con su sonido desnudo, limpio y sincero. La excusa era la mejor posible para gente como yo: presentar su primer disco de grandes éxitos, Tried and true (cinco años después, y con solo un disco de por medio, editaron el segundo. Supongo que sería por temas contractuales). Creo que no tardé ni 15 días en comprármelo. Lo dicho, un maravilloso concierto.

Por lo que he leído, esta vez viene acompañada de banda y supongo que presentará su nuevo disco Beauty and Crime. Espero que no se centre demasiado en él y acabe interpretando sus temas más conocidos. El público seguro que se lo agradecerá.

En dos semanas, comentaré la experiencia.

Marlene on the wall

Natalie Imbruglia - Big Mistake

2007-10-12T11:37:00.000+02:00

Ya sé que Natalie Imbruglia y Torn irán siempre juntas de la mano pero... me encantaba esta canción hace casi diez años y lo sigue haciendo ahora.

You've forgotten how it started
Close your eyes
think of all the bubbles of love we made,
and you're down on your knees
it's too late.
Oh don't come crawlin'
and you lie by my feet
what a big mistake
I see you fallin'.

In Rainbows ya está aquí

2007-10-10T21:39:00.000+02:00

Radiohead ha presentado su séptimo disco, In Rainbows. Su publicación ha tenido una gran repercusión en los medios de comunicación por la forma en la que se ha producido: el disco puede descargarse directamente desde su página web pagando lo que cada uno considere. Es decir, se puede obtener gratuitamente y de forma totalmente legal (divagación absurda: ¿La palabra “publicar” no pierde un poco su sentido cuando el formato en el que se ofrece es éste? Porque realmente no hay nada físico. Aunque también es cierto que esta palabra se utilizaba realmente en el caso de la literatura y ha sido adoptada, así que supongo que también se podrá adoptar para esto. Ya dije que era absurda). Asimismo, la banda ofrece la posibilidad de comprar una edición especial compuesta por dos CDs y sus respectivas copias en vinilo y todo el artwork del álbum a unos 60€. Su salida en tiendas está prevista para 2008. Una muestra más (y ya van unas cuantas) de que Radiohead saben venderse muy bien.

Esta mañana he podido escucharlo por Internet a través de una emisora británica pero sin prestarle demasiada atención. Y también me ha dado tiempo a pasarme por algún foro y comprobar, sorprendido, como hay personas que con solo dos o tres escuchas (era físicamente imposible que fuesen más) lo equiparen con Ok Computer o The Bends. Ahora estoy en pleno proceso de descarga y en los próximos días me dedicaré a escucharlo. No tengo grandes expectativas. Su último disco me dejó un mal sabor de boca y pienso que sus mejores días han pasado ya. Espero equivocarme.

Para compensar dejo uno de mis vídeos preferidos (buenos son casi todos) de la banda. La canción se titula Just y pertenece a su segundo álbum, The Bends.

Pero… ¿Qué has hecho? (I)

2007-10-09T22:57:00.000+02:00

Me estoy aficionando a esto de abrir secciones que no sé si continuaré. En este caso hablaré de grupos que, después de un gran primer (y a veces incluso segundo) disco, tiran su carrera con discos flojos, insulsos o demasiado parecidos a aquellos que les dieron la fama. Inaugura la sección una banda que sorprendió a mediados de los 90 para irse apagando disco tras disco de forma cada vez más evidente, Garbage.

Butch Vig, uno de los productores más importantes de la década pasada (Nevermind, Siamese Dreams…), decide formar una banda y para ello recluta a un par de compañeros (los también productores Steve Marker y Duke Erikson). Una vez resuelta la parte instrumental afrontan la búsqueda de una cantante que aporte imagen y carisma a la banda. Después de algunas audiciones con poco éxito, Steve Marker descubre un día a Shirley Manson en la MTV. Shirley ofrecía, además de lo comentado, su faceta de letrista y de colaboradora en la parte musical. Después de 2 pruebas, la banda está completa.

A mediados del 95 y después de la aparición de varios singles, se publica su álbum homónimo. El disco, sin aportar nada nuevo, sonaba fresco y original. Supongo que contar con tres productores en la banda fue clave en la consecución de un sonido tan reconocible a pesar de fusionar estilos (pop, rock, electrónica…) mil veces escuchados. Capas y capas de sonido conforman cada canción. Sin embargo todo está en su justa medida, sin caer nunca en la saturación. A pesar de contar con clásicos inmediatos como Queer, Vow o Milk, el disco es impecable de principio a fin.

En 1998 llegó Version 2.0. Habían pasado casi tres años y mis expectativas eran muy grandes. El single de adelanto, Push it, hacía presagiar un más que digno sucesor. Su mezcla de guitarras y secuenciadores (que alcanzaba su apogeo en un fantástico estribillo), unido a ese Don´t worry baby (pidieron a Brian Wilson permiso para utilizar el clásico de The Beach Boys y éste se negó) mostraba a una banda en plena forma, manteniendo intactas sus señas de identidad. Sin embargo, una vez escuchado el disco, el resultado global decepcionaba. Algún single resultón (I think I’m paranoid), un alejamiento del rock a favor de la electrónica (Hammering in my head, Dumb… Drum’n’bass?), la misma canción para finalizar (You look so fine es la hermana pequeña de Milk) y algún tema de pop electrónico (con coros incluidos) que asustaba. Poco bagaje para una banda de la que esperaba grandes cosas.

Beautiful garbage fue su paso definitivo al pop. Las guitarras sucias y toda la electrónica “industrial”, daban paso a típicos sintetizadores y estribillos de fácil consumo y digestión. Todo muy simplón e inofensivo. Singles como Androginy o Cherry lips ponían de relieve su cambio de estilo y enorme pérdida de calidad.

No llegué a escuchar Bleed like me, su cuarto álbum. Sus singles dejaban claro que Garbage habían perdido la inspiración y la capacidad de sorprender. Recientemente han publicado un recopilatorio que lo único que me sugiere es por qué no reeditan su primer disco con material extra de aquella época. Seguro que salíamos ganando.

Milk

Push it (directo)

I Aniversario El Lorito

2007-10-04T23:27:00.000+02:00

Con la llegada del otoño se recupera la actividad de conciertos en sala. Los festivales (Summercase) y mega conciertos al aire libre (Björk) tienen su atractivo, pero no es comparable al ambiente que se vive en los recintos pequeños.

Esta vez se trataba de celebrar el aniversario de una web musical (El Lorito) con un concierto que reunía 2 propuestas tan interesantes como dispares: Manta Ray y Micah P. Hinson. Manta Ray llevan 15 años de carrera, 5 discos y multitud de proyectos paralelos (versiones, colaboraciones…) ofreciendo su particular versión del rock. Aquella que en sus inicios mostraba su interés por las guitarras afiladas y el uso de instrumentos poco convencionales (gracias a ellos descubrí el Theremin en la maravillosa Sol) y que ha evolucionado en un potente sonido basado principalmente en su componente rítmica. Y por encima de todo, dos señas de identidad que todavía perduran, el poco uso de la voces (sus letras suelen ser bastante escuetas y crípticas) y su dominio del directo. Y eso es básicamente lo que ofrecieron en su concierto del sábado. A pesar de comenzar con una canción de su primer disco, el núcleo lo constituyeron los dos últimos, los más enérgicos y agresivos de su carrera. El uso en determinados momentos de dos bajos unido a la contundencia de Xabel Vegas a la batería hacía que el suelo de la sala retumbase de forma constante. Pero su gran acierto no es sonar potentes, sino tan bien conjuntados como si fuesen uno. Solo la acústica de la sala con bastante eco (¿sonido hueco?) y algún tema un poco flojo hizo que este no fuese el mejor concierto que les he visto (ese honor le corresponde a su concierto en Benicássim del 98, el primero de los 6. Fueron 45 minutos perfectos).

Manta Ray- My hell (1997)

Y 20 minutos más tarde, Michael Paul Hinson hacía acto de presencia. Después de un primer concierto en casa hace año y medio, el segundo se me estaba resistiendo. A principios de año dio un concierto en la Sala Moby Dick que agotó sus entradas al menos una semana antes de que se celebrase. La segunda oportunidad fue en el mes de Mayo, en aquel cartel que compartía con Rufus Wainright. Sus problemas crónicos de espalda hicieron que cancelase dicha actuación. Así que, después de tanto contratiempo, ya había ganas de verlo. Y aunque no defraudó, el concierto se quedó a medias. Los peros: la sola presencia de un batería como acompañante (se excusó diciendo que era pobre), sus miradas al reloj cada diez minutos (al final del concierto descubrimos que no era culpa suya, sino que la sala había marcado una hora de finalización del concierto) y los monólogos entre canción y canción que lastraban la fluidez del concierto. A su favor, el músico de Texas cuenta con la belleza de sus composiciones, su fantástica voz (de la que abusa en determinados momentos para dotar a sus temas de un dramatismo mayor y, en mi opinión, innecesario) y su carisma (hubo momentos francamente graciosos, como verlo aparecer con una guitarra acústica en la que llevaba una foto de “su familia”: él, su novia y sus perros). Y algo que también recalqué en el comentario acerca de Rufus Wainright. Micah iba soltándose y disfrutando cada vez más a medida que se desarrollaba el concierto. Algo que dejó patente en el momento de despedirse puesto que decidió saltarse el guión y realizar un bis de un tema.

Micah P. Hinson - Beneath the rose

Un premio??

2007-09-29T10:26:00.000+02:00

A pesar de mi negativa a recibir tales honores, mi blog ha sido seleccionado por Heitor (Bienvenido a Nunca Jamás) para recibir uno de sus Premios Solidarios por "hablar de algo tan difícil de definir como la música y encima hacerlo bien y porque me dijo que a él no se lo diera que no sabía qué hacer con él (pues ahora te lo quedas)". Como ya dije en su blog, ten amigos para esto...

Y aunque vaya a romper la cadena (todos los blogs que conozco ya han sido premiados y esto se convertiría en un bucle infinito), quería dejar constancia del mismo y decirle a Heitor que es un autentico.... snif, snif... no puedo seguir. La emoción me embarga. Gracias...

The Beatles

2007-09-28T13:36:00.000+02:00

Estaba escuchando uno de los últimos discos que grabó Johnny Cash, cuando me surgió la idea. Aunaba dos cosas que tenía pendientes: subir cosas más conocidas y darle un repaso a la discografía del grupo que muchos consideran el mejor de la historia. Así que mi intención es escuchar, por orden cronológico, cada disco de los Fab Four y luego comentar aquí un par de cosillas (no van a ser largos. Información sobre ellos sobra en Internet) y colgar alguna canción.

Y para celebrar el inicio de esta sección, una de las mejores canciones que he escuchado del cuarteto de Liverpool (o de las mejores canciones a secas) y la que aparecía en el disco del Sr. Cash: In my life, perteneciente al álbum Rubber Soul.

PD: El primer disco será Please please me.

Hola abuelita! Soy yo, Caperu

2007-09-23T16:01:00.000+02:00

Video naif (quizás demasiado) para una canción naif del grupo más naif, Belle and Sebastian.

You'll have a boy tonight...

Belle and Sebastian - Lazy Line Painter Jane

Later with Jools Holland

2007-09-21T08:56:00.000+02:00

Desde hace tiempo, cada vez que busco videos de actuaciones en Youtube o en descarga suelo acabar en el mismo punto. O mejor dicho, en el mismo nombre. Jools Holland. Y todo se debe a su programa de televisión Later with Jools Holland, que lleva formando parte de la programación de la BBC británica desde 1992. En él han aparecido desde músicos consagrados hasta nuevas bandas de todos los estilos y procedencias. La estructura del programa es muy sencilla: actuaciones y entrevistas. Con una ligera diferencia con respecto a los que se emiten en este país (bueno, si es que todavía existe alguno). Todas las actuaciones son en DIRECTO. Y una curiosidad: al comienzo de cada programa todos los invitados participan en una mini jam, con el propio Jools al piano (este último apunte es muy importante porque sino el gran Gayoso, todo un clásico de la televisión gallega, podría acusarlo de plagio).

Excepcionalmente el programa ha realizado especiales con un solo grupo o artista, como REM, Oasis o Radiohead.

Sirva este post para agradecer al Sr. Holland y a la televisión británica que me provean de material para mi disfrute personal y para este blog, recodar que es posible hacer programas musicales de calidad y añorar los que se hacían en este país hace 15 o 20 años como Rockopop o más recientemente, Los conciertos de Radio 3.

Coldplay - Shiver Aunque me hacen gracia siempre me han parecido un poco blanditos. Eso si, grandes canciones tienen. Y esta es una de ellas.

LCD Soundsystem - All my friends Dance rock en estado puro. ¿La música del siglo XXI? Genial la manera en la que la canción va creciendo.

PD. Culaquier día me lanzo y pongo algunos videos de ese clásico que es Luar, incluyendo ese en el que anuncian el fallecimiento del Fary... 2 meses y 6 días antes!!!! (para el que no pueda aguantar que busque en Youtube). Gayoso, eres grande!

Versiones (V)

2007-09-19T15:39:00.000+02:00

Nueva versión, quizás no demasiado alejada de la original (me guardo alguna bomba para posts futuros) pero que merece estar aquí por varias razones.

• El original está firmado por el gran David Bowie. Cinco líneas no harían justicia a su carrera, así que algún día le dedicaré un post como se merece. Pero no será pronto porque me faltan muchos de sus discos por escuchar. Paciencia, todo llegará...

• Para la versión se han juntado dos músicos con una sensibilidad especial. La parte musical es cosa de Yann Tiersen, el creador de la famosísima banda sonora de Amelie. La voz la pone Neil Hannon, un crooner de los de toda la vida y cabeza visible de The Divine Comedy.

• A pesar de venir de mundo distintos (o eso parecería), Heitor y yo coincidimos en nuestras debilidad por esta canción. Y puesto que el niño ha decidido abandonar Nunca Jamás durante unas horas al día, no se me ocurre una forma mejor de desearle suerte en su incorporación a estos mundos de perversión.

Y por encima de todo esto, la canción es maravillosa. ¿Hace falta algún motivo más?

PD: Tres posts en tres días. Os estoy malacostumbrando...

Sofía Coppola

2007-09-18T21:57:00.000+02:00

Ser hija del gran Francis Ford Coppola, sobrina de Talia Shire (Connie Corleone en “El Padrino”) y prima de Nicolas Cage (cuyo verdadero nombre es, en realidad, Nicholas Kim Coppola) a la fuerza predispone. No sé si es cosa de la genética o de mamarlo desde la más tierna infancia. Pero con tan ilustre apellido, tu vida debe terminar, irremediablemente, unida al cine.

Sus primeras colaboraciones fueron en el campo de la interpretación. Pequeños papeles en alguna de las películas de su padre (El Padrino I y II, Rebeldes…) y en el corto Frankenweenie, dirigido por Tim Burton en 1984. Su gran oportunidad le llegó en 1990. Una inoportuna enfermedad dejó a Winona Ryder fuera de El Padrino III cuando el rodaje de estaba a punto de comenzar. En ella interpretaba a Mary Corleone, hija de Michael. La película no fue especialmente bien acogida (había pasado demasiado tiempo y las dos primeras ya habían sido elevadas a la categoría de clásico) y mucho menos su interpretación. Se la atacó de forma despiadada y se acusó a su padre de nepotismo. Posteriormente, Sofía ha comentado que estos comentarios no le afectaron especialmente porque ella “no pretendía ser actriz”.

Su primer paso en otras disciplinas tampoco fue demasiado alentador. Colaboró con su padre en el guión de Life Without Zoe, aportación a aquella película de 1990 titulada Historia de Nueva York que el Sr. Coppola realizó junto a Martin Scorsese y Woody Allen. De ella se dijo que era el peor trabajo del director hasta la fecha.

Se inicia como directora con un corto titulado Lick The Star (1998, disponible en YouTube en VO). En 1999 se estrena Las Vírgenes Suicidas, adaptación de la novela homónima de Jeffrey Eugenides. La película se sitúa en EEUU en la década de los 70 y cuenta la historia de las hermanas Lisbon, las cuales, después de un hecho trágico, son sometidas a una vigilancia extrema por parte de su conservadora y dictatorial madre.

Cuatro años después se estrena Lost In Translation. Escrita por ella misma e inspirada en su relación con el también director Spike Jonze (se divorciaron ese mismo año), la película cuenta la historia de dos personas que han perdido el rumbo y no saben como recuperarlo. Y como telón de fondo Tokio, cuya cultura y costumbres son la perfecta representación del estado de ánimo de sus protagonistas a lo largo de toda la película.

Y en 2006 llegó su última película hasta la fecha, Maria Antonieta. Sofía cuenta la historia de la última reina de Francia. En ella se relata su llegada desde su Austria natal, su difícil integración en las costumbres de palacio alejada de sus seres queridos, su posterior aceptación de su nueva situación y de todos los placeres que esta conlleva y su caída final arrastrada por los aires de cambio que trae la Revolución Francesa.

Las tres películas de Sofía Coppola guardan un tremendo paralelismo entre sí. Tanto en el fondo como en la forma. De hecho se podría decir que es la misma película con tres envoltorios diferentes. Las tramas tienen un eje común, la incomprensión, la sensación de soledad y abandono. Así se sienten las hermanas Lisbon con respecto a su madre (en especial Lux), también Bob y Charlotte hasta que se encuentran y María Antonieta a su llegada a palacio. Se sienten solos y desprotegidos. Desde el punto de vista formal, la directora pone especial énfasis en dos aspectos, la fotografía y la música. La primera de ellas ha ido increscendo hasta llegar al festín de colores de su última película. Y en cuanto a la música, Sofía siempre ha tenido un gusto exquisito. La etérea banda francesa Air para su primera película, las guitarras ruidosas de Kevin Shields (My Bloody Valentine) mezcladas con sus fantasmagóricas voces para ilustrar la experiencia japonesa y el anacronismo que surge de mezclar una película ambientada en el siglo XVIII con clásicos del pop de las décadas 80 y 90.

Mucha gente acusa a sus películas de falta de contenido, diciendo que en ellas “no pasa nada”. Creo que eso no es cierto. Son básicamente historias de personajes y nadie puede negar que éstos evolucionan (menos en el caso de María Antonieta. Me sigue pareciendo demasiado hueca) durante las mismas.

Dejo tres momentos musicales relacionados con sus películas.

Playground Love - Air Enorme canción. Quizás aparezca demasiado en la película y eso pueda llegar a cansar. A mi no. Cada vez que la escucho se me pone la piel de gallina

More Than This - Bob Harris (Bill Murray) No sabía por cual decidirme. Es tan lamentable la voz de Bill Murray en este tema como escuchar a Scarlett Johansson destrozar Brass in pocket. Y parece ser que ella ha grabado un disco...

I Want Candy - Bow Wow Wow Los momentos felices de Maria Antonieta en palacio. ¿Hay algo raro en el video?

Funny Games (2007)

2007-09-17T16:06:00.000+02:00

Desde que me he propuesto escribir un post sobre esta película se me agolpan las ideas. Escalofríos, preguntas, recuerdos… Intentaré explicar los motivos de todo esto y cuales son mis dudas.

Oí hablar por primera vez de Funny Games cuando fue presentada en Cannes en el año 97. Algunas escenas, comentarios con respecto a ella y mi interés por las películas “difíciles” (en aquella época caminaba por el lado salvaje del cine, xD) generaron en mi grandes expectativas. Intuía que la película se estrenaría en VO y que, por lo tanto, debería esperar a verla en video. Sin embargo, se dobló y eso hizo que llegase hasta una cutre sala (Fraga 3 para más señas. La entrada debe estar aún en casa). Y allá que fui dispuesto a sentir emociones fuertes. La historia es sencilla. Dos jóvenes deciden hacer la vida imposible a una familia acomodada que pasa unas vacaciones en su casa de campo. A partir de ahí, Haneke ofrece lo que su título sugiere, una serie de extraños juegos. El director hace participe de esto al espectador a través de miradas e interlocuciones directas. Otro de los puntos fuertes de la película es la forma que tiene de mostrarnos la violencia. Esta nunca es mostrada, todo ocurre fuera de plano. Y aunque pueda parecer que no, el resultado es mucho más devastador (al menos en mi caso). Salí del cine muy tocado. Varias películas han hecho que acabe con un nudo en el estomago (Reservoir dogs). Pero esta me crea un desasosiego muy poco gratificante. Es incomoda y angustiosa.

Se generó mucha polémica en torno a ella. Se la acusó de fascista y tramposa. Tampoco era ninguna novedad. Todas las películas de Haneke generan siempre mucha controversia. El director se ha especializado en realizar películas en las que se exhiben las miserias de la vida burguesa. Otra de sus obsesiones son los medios de comunicación y su forma de mostrar la violencia. Estos dos elementos son el eje sobre el que se asienta Funny Games. No creo que sea fascista. Pero es tan fría y neutral que da miedo. Tramposa sí es. Pero ¿quién no ha hecho trampas alguna vez durante un juego?

Diez años después, descubro que se está rodando un remake de la película, esta vez en EEUU, con Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt. Viendo el trailer y leyendo algún comentario descubro que el director ha rehecho la película plano a plano. Y ahí es donde me surgen todas las dudas.

¿Por qué un remake? Me cuesta encontrar una justificación. Que alguien pueda utilizar una misma base (libro, artículo…) para hacer una película me parece correcto y, a veces, muy necesario. Pero hacer dos veces la misma película…porque ¿Qué sentido tiene rehacerla plano a plano? Como comentaba antes, el director es muy critico con los medios de comunicación. Creo que en estos diez años las cosas han evolucionado lo suficiente (para mal) como para que se pudiese realizar una nueva lectura sobre los mismos. Siento ser mal pensado pero solo se me ocurren dos: dinero y el mercado americano. Lo cual me lleva a…

¿Haneke-Hollywood? Quizás la planteen como una película independiente (el trío de actores que he comentado anteriormente ya han trabajado antes en proyectos de bajo presupuesto) y con pocas copia. Pero no nos olvidemos que detrás de ella está Warner. Así que de pequeña poco. ¿Qué busca Haneke? Lo único que se me ocurre es querer entrar en el mercado americano. Nunca pensé que fuese un director al que le interesase mucho eso. Quizás me haya equivocado. Y en cuanto a Hollywood, ¿Creen que esta película va a funcionar bien? Me cuesta imaginar que será así. No creo que la sociedad americana la encaje demasiado bien y menos en estos tiempos.

Solo tengo una última duda, pero esta es con respecto a mí. ¿Veré la película? Para esta pregunta tampoco tengo respuesta…

Funny Games (1997)

Funny Games (2007)

Dúos (II)

2007-09-02T11:44:00.000+02:00

Yo pensaba que esto se podía convertir en una serie y me está costando recordar algo que poner. O mejor dicho, me esta costando encontrar cosas que no sean de los de siempre. Hoy, echando un vistazo a uno de los blogs que visito habitualmente, Part Of The Queue, he recordado un gran dúo. Por un lado, Beck, un gran artista quizás venido a menos en los últimos años (parece que su entrada en la cienciología no le ha sentado demasiado bien), pero que nos ha dejado discos como Odelay y canciones como Devil's Haircut, Sexx Laws o su clásico Loser. Y por otro lado Bender, el robot de Futurama y creo que un más que firme candidato a robarle a Homer Simpson el título de mejor personaje de serie de TV de la historia. Lo dejo en los dos idiomas para que cada uno elija el que más le guste (no podía dejar a Beck sin su voz ni a Bender sin su doblaje habitual). La canción se titula My Broken Friend

Inglés

Castellano

Marlango, capítulo III

2007-08-28T15:15:00.000+02:00

A punto de publicar su tercer disco, Electrical morning, Marlango presenta su primer single titulado Hold me tight. Si bien mantiene las características propias de la banda (melancolía y seducción unidas por la cálida voz de Leonor Watling), se percibe un sonido más pop. ¿Ligera evolución? Habrá que esperar un mes (el disco se publica el 25 de Septiembre) para comprobarlo. Por mi parte serían buenas noticias porque, después de un segundo trabajo continuista y de una pequeña decepción en directo, tengo ganas de que Marlango vuelvan a sorprenderme y emocionarme.

Amy Winehouse

2007-08-25T12:35:00.000+02:00

A punto de cumplir los 24 años, Amy Winehouse tiene un historial que asusta. Adicciones varias (alcohol y drogas), desordenes alimenticios (anorexia y bulimia), diagnosticada como maniaca depresiva...

Espero que la chica se tranquilice un poquito y que ninguna tonteria pueda truncar su carrera. Porque de ser así perderíamos una de las más personales y mejores voces de la música actual. Para demostrarlo un par de perlas (mis dos temas favoritos de su último disco, Back to Black): You Know I'm No Good y Rehab

You Know I'm No Good

Rehab (Click aquí)

Versiones (IV)

2007-08-16T10:46:00.001+02:00

Hacía ya un par de meses que tenía pendiente esta versión. Pero la única interpretación que me convencía era una que me había bajado y no encontraba tiempo para buscar algún sitio donde subirla. El momento no puede ser mas apropiado puesto que hace unos días Cat Power confirmó en su Myspace que está trabajando en un nuevo disco de versiones, siete años después de publicar The Covers Record.

La canción original es Crazy (Gnarls Barkley) y, a pesar de ser de 2006, se ha convertido en un clásico. Lo confirma el hecho de haber sido numero uno el año pasado en medio mundo (UK, Canadá, Dinamarca...) y que ya ha sido reinterpretadas por multitud de artistas tan dispares como Nelly Furtado, Beyoncé, Texas o The Twilight Singers.

Reconozco que, en su versión original, no es de mis canciones favoritas (tenía su gracia al principio pero terminó por cansarme). Sin embargo, el toque blues que le imprime la Srta. Marshall la convierte en un canción totalmente distinta, mas sugerente y atractiva.

PD: Siguiendo la ronda de dedicatorias, en este caso le toca el turno a Celia. A pesar de que en las primeras escuchas no acababa de convencerle (la verdad es que la intro es muy rara), ahora es una fan incondicional de la misma. Espero que la disfrutes (una vez más)

Bonitas historias de burocracia

2007-08-15T13:14:00.001+02:00

De vez en cuando ocurren hechos extraños que escapan a nuestro entendimiento. Pequeños incidentes que, si bien no tienen una gran influencia en nuestra vida, si hacen que te replantees en que clase de mundo/país/sociedad vivimos. Curiosamente, la mayor parte de los mismos son temas burocráticos relacionados con la administración pública. Y no digo con esto que toda la culpa recaiga sobre el colectivo de funcionarios (aunque evidentemente alguna si): creo que se reparte equitativamente y que, cuando tenemos algún asunto de este tipo pendiente, vamos predispuestos a la bronca.

Llevaba más de un mes con el DNI caducado y, aprovechando mi visita a casa y que el nuevo documento lo entregan en el día, decidí renovarlo pensando que sería más fácil hacerlo en una ciudad pequeña que en la gran capital. Creo que me equivoqué. El sistema de renovación es el siguiente: te acercas a una comisaría de Policía, te dan un número (de la misma forma que haces en la sección de pescadería o charcutería en el supermercado) y, cuando es tu turno, te expiden el DNI. Decidí que haría la gestión el martes pero, mosqueado antes ciertos rumores que aseguraban que la gente hacía cola desde muy temprano (¡Mira que nos gusta hacer colas en este país!), me acerqué el lunes a informarme. Entré y un amable agente en la recepción confirmó mis temores. Los números se reparten desde las 8:30 pero la gente comienza a hacer cola aproximadamente desde las… 6!!! Mi sentimiento de perplejidad debió trasmitirse a mi cara, puesto que el agente me miró y solo pudo encogerse de hombros y decir “es que es un mes muy malo porque la gente esta de vacaciones” (principio básico: la ley de Murphy está para cumplirse). Y yo me pregunto: ¿La gente no tiene nada mejor que hacer que aprovechar sus vacaciones para renovar su DNI? Si, lo sé. Yo también lo estoy haciendo. Pero yo no voy a las 6 a coger número!

Martes 13 de Agosto, 6:20. Suena mi despertador. No me lo acabo de creer. ¡Incluso cuando voy a trabajar duermo más! Miro por la ventana. Noche cerrada, la ciudad duerme. Me sorprendo de que las calles ya estén puestas (pido perdón a todos los que entran a trabajar a esas horas. ¿Qué sería de una historia sin un poco de dramatismo barato?) Me levanto, me visto, desayuno algo y cuando salgo de casa descubro que, como decimos por aquí, chove miudiño. Me alegría va en aumento. Cojo el coche y me dirijo a la comisaría. Llegó allí a las 7:05 y me encuentro una cola de aproximadamente 50 personas. Mis ojos siguen sin dar crédito. ¡Falta hora y media para que comiencen a dar los números! (aunque he de reconocer que llego en un gran momento porque unos 15 o 20 minutos después las cola es casi el doble de grande). Me coloco en la fila y abro el libro que llevaba por la página 1. Sigue chovendo. Al tener los auriculares puestos no escucho ninguna de esas estimulantes conversaciones de cola que se producen día sí y día también. Como ya he dicho cosas de estas pasan constantemente así que ya relataré alguna el día que me de por estar atento. Lo que me llama la atención es la gente que acerca, ya sea andado o en coche, con cara de pasmo preguntando: “¿Es esta la cola para el DNI?”. Cuando se les responde que si, todos dicen lo mismo: “Y yo que pensaba que llegaba pronto…”

A las 8:30 la cola empieza a agitarse. El ansiado momento está a punto de llegar y la excitación flota en el ambiente. La cola comienza avanzar. Entro en la comisaría y subo las escaleras. Los números los da una maquina protegida por el que debe ser “el guardián de la máquina”, un policía de estos que en vez de solucionar problema, genera más polémica (no es exclusivo de la policía, en todo trabajo hay siempre alguien así). Un ejemplo clarificador es su dialogo con la persona que esta justo delante de mí:

- ¿DNI o pasaporte?
- DNI, pero necesitaba dos números.
- ¿Para qué?
- Para mi y para mi mujer
- Pero va a venir, ¿no?

Ese último comentario es de los que llega al alma. Lo entiendo en parte porque todo el mundo conoce lo gilipollas que somos en este país (podría hablar de picaresca pero ¿Para que utilizar eufemismos?) y alguien podría coger 10 o 20 números y luego repartirlos entre amigos o incluso revenderlos. Por eso es necesario “el guardián de la máquina”. Pero, si realmente se quiere evitar eso, ¿No sería más sencillo poner a alguien tomando nota del DNI de la persona? Y ya puestos (y quizás esta sea la pregunta clave), ¿No se podría dar el turno por teléfono o Internet el día antes? Supongo que el único motivo para no hacerlo es que, de esta manera, la gente cogería número y después no iría, mientras que si tienes que madrugar y hacer una cola eterna te lo tomas más en serio. Al final todo se solucionaría en el término medio, que la administración pensase más en la gente y nosotros fuésemos un poquito más serios.

Recibo el número 29 y “el guardián de la máquina” me dice que sobre las 9:30 (“aproximadamente, ¿eh? Que esto no es exacto”) me atenderán. Decido cambiar el coche de sitio porque no me apetece nada pagar por aparcar y cinco minutos más de caminata no matan a nadie y vuelvo a la comisaría. Cuando llego están en el número 20. Lo de los números es un avance. Si hablase del sistema arcaico de la sanidad pública gallega creo que podría llenar 7 páginas con anécdotas. Me siento y sigo leyendo mientras espero que llegue mi turno.

El momento “me cuelo” tampoco podía falta. Cuando llaman al número 27, aparece un chico que estaba detrás de mí en la cola. ¿Cómo? Misterios de la naturaleza.

Cuando por fin llega mi momento, me siento y descubro que me ha debido tocar la persona más amable de todas las que están allí. Ni un “hola” o “buenos días”. Se limita simplemente a utilizar las palabras necesarias para comunicarse conmigo, ni una más (y es literal). Eso sí, solo conmigo, porque con su compañera de al lado mantiene una amena charla acerca de sus hijos, sus estudios y sus clase de recuperación. Cuando tengo que apoyar mi dedo sobre un escáner me repite tres veces que ponga el índice derecho. ¡Señora, ya sé que tiene que ser el derecho!. Ahora debo pensar si se refiere al derecho o al “otro derecho” (no se porque los confundo tanto, pero en este caso juro que lo tenía claro). Cuando está a punto de terminar me dice “6 euros con 70”. Y aquí abro un inciso: ¿Por qué narices debes pagar el precio de una entrada de cine por renovar un documento que el estado te obliga a poseer? De verdad que intento encontrar una explicación coherente pero no lo consigo. Si aún fuese por perdida podría tener algún sentido pero ¿Una renovación? Lo siento, no lo entiendo. Le entrego a la señora 20 euros y sin que en su tono se advierta ningún atisbo de pregunta me dice” dos euros”. Cuando tenía 12 años, le gente que te daba el palo lo hacía de formas más cordial. Le entrego el dinero y mientras espero por mi DNI, escucho en los mostradores que hay a los lados como ambos funcionarios ofrecen a las personas que son atendidas si desean el DNI digital. Supongo que servirá para hacer algún tipo de gestión a través de Internet, pero decido esperar a que me lo ofrezca para preguntar cual es su utilidad. Y me quedé con las ganas. Porque la señora me entrego mi DNI, me dijo “ya está” y me invitó a largarme. Sé que debería haber preguntado pero tenía tantas ganas de irme (y solo eran las 10!!) que decidí dejarlo para otro día. Y mientras en la calle, seguía a chover…

Supongo que soy poco original recuperando este video pero es tan acertado y al mismo tiempo revelador que no me puedo resistir.

PD: Se que este post pinta poco con la temática de mi blog y que además se me ha ido la pinza mucho. Por eso lo hago, para desengrasar un poco y retomar el tema cultural con más ganas. Y debía decidir entre esto o contar la anécdota de cuando fuimos a cenar al Ginos, pedí una cucharilla para el postre y me trajeron un tenedor (creo que el camarero era ruso, ucraniano… creo que es una bonita metáfora de la globalización). La anécdota es muy buena, pero no daba para mucho más.

PD (II): Heitor, espero que tengas más suerte el día que vayas tú. Y si no es así te animo a que compartas tu experiencia con el mundo. Estas cosas unen mucho.

Versiones (III)

2007-08-13T17:20:00.000+02:00

Reconozco mi desconocimiento casi total de Johnny Cash y su carrera músical. Creo que la primera vez que le escuche fue en aquella canción que cerraba Zooropa de U2 (The Wanderer creo que se llamaba). Y desde aquel momento poco más. La noticia de su fallecimiento, la película Walk the line … Y un par de enormes versiones.

La primera es Hurt, un gran tema de Nine Inch Nails que en voz del Sr. Cash pone lo pelos de punta.

NIN

Johnny Cash

Y el segundo es Bridge over troubled water el clásico de Simon & Garfunkel. En este caso Johnny Cash contó con la colaboración de Fiona Apple.

Simon & Garfunkel

Johnny Cash & Fiona Apple

Este post se lo dedico a Irene, fan de Johnny Cash y piloto profesional por esas carreteras de España. Espero que te guste.

Björk (Las Ventas, 18/07/07)

2007-07-31T15:48:00.000+02:00

Gran espectáculo el que ofreció la islandesa hace un par de semanas en Las Ventas. Y digo espectáculo porque no estoy seguro de que el concierto estuviese a la altura de lo que vi.

Nada que decir a la puesta en escena. Un gran montaje con banderas, fuego, pantallas, juegos de luces e incluso serpentinas que salían de las manos de la propia cantante. Ella, como siempre, enfundada en un vestido imposible y realizando sus clásicos bailes… Todo muy espectacular. Pero en esta ocasión he decidido centrarme en la parte musical.

El planteamiento de esta gira es acorde a la propuesta de su último disco. El sonido de Volta se podría calificar de primitivo. Muy rítmico. Ruidoso. Primario. Traslado al directo, esto se convierte en un batería, un teclista, dos tipos encargados de las maquinas (entre las que se encontraba el famoso Reactable) y la Icelandic Brass Section, un grupo de 10 músicos encargados de los instrumentos de viento y los coros. Y la formula funciona a medias. Espectacular en el tramo final del concierto (Hyperballad, Pluto y el abrasivo final de Declare Independance) donde convirtieron Las Ventas en una “carpa” de música dance, pero muy pobre en matices en los temas de la etapa Homogenic. Muchas canciones de la islandesa se sustentan en unos maravillosos arreglos de cuerda y, cuando estos desaparecen (o son reinterpretados por vientos), el resultado final se resiente. Está bien, pero no emociona de la misma manera, no conmueve.

Y en los pequeños detalles, una de cal y otra de arena. Su voz sigue siendo espectacular. Cada vez que la escucho tengo la sensación de que es una perfecta representación de su país. Frágil y bella pero, al mismo tiempo, explosiva y ardiente. Un gran acierto incluir en el repertorio temas como Aeroplane y I miss you, las cuales gana mucho en este formato. En el plano negativo, creo que fue un concierto demasiado corto (18 canciones en apenas 80 minutos). Dos canciones en un único bis me parece muy rácano por su parte.

Por último un par de apuntes que se repiten cada vez más en los conciertos. Me molesta lo poco críticos que somos (no me ocurrió en éste pero si días atrás en el de PJ Harvey) con ciertos artistas. No había más que escuchar a la gente a la salida. Se lo ponemos demasiado fácil. Y segundo (y para mi gusto más grave). No entiendo la necesidad de una gran parte del público de pasarse una gran parte del concierto filmando con sus cámaras de fotos/video/móviles. Molestan y el resultado final suele ser francamente malo. El momento de disfrutar el concierto es ese y no al día siguiente delante de una pantalla.

Summercase (y II)

2007-07-30T16:04:00.000+02:00

El segundo día del Summercase era el perfecto fin de fiesta. Estaban los dos artistas por los que mi asistencia al festival era obligatoria (PJ Harvey y Arcade Fire), promesas pendientes de confirmar (Editors y Bloc Party), Lily Allen...

Editors: Buena forma de empezar el día grande. Son buenos músicos y consiguen trasladar al directo la energía y fuerza presente en sus discos. Y otro punto a tener muy en cuenta es la magnifica voz de su cantante Tom Smith. No han inventado nada pero en lo que hacen demuestran mucha solvencia, ganas e ilusión.

Lily Allen: La niña va por libre. Reconoce que sale medio contenta al escenario, le pide a uno de sus técnicos que invite a chupitos a las primeras filas (ella misma le acerca la botella), se queja del público de Barcelona del día anterior, se ríe de sus ex-novios (“not big”), de las revistas del corazón (“everything’s just wonderful”)… Está en su momento y sabe como aprovecharlo. Quizás nadie se acuerde de ella en un par de años, pero que le quiten lo bailado. Su concierto fue un pelín descafeinado (faltó banda que la arropara) pero divertido.

PJ Harvey: Polly es grande, muy grande. Se que no soy objetivo y por ello mi opinión quizás no tenga mucho valor. Pero reconozco que tenía dudas sobre este concierto. Iba a ser mi cuarto concierto y me apetecía verla en otro formato. Pero no estaba seguro de que fuese a funcionar. Pero sí lo hizo. Y de que manera. Sonó intensa y emocionante de principio a fin, tanto con la guitarra, el piano y las maquinas. Hizo un repaso a toda su discografía y aunque se dejó fuera grandes canciones (una hora no da para más), salí de allí con la sensación de que había sido un concierto redondo. Las canciones nuevas prometen. Y se percibe un cierto cambio en su sonido. Para comprobarlo habrá que esperar a Septiembre, cuando “White chalk” sea publicado.

The Flaming Lips: Sus conciertos son una fiesta. Confeti, globos, extraterrestres, Papa Noel… Cada actuación de la banda de Wayne Coyne es una experiencia. Se lo pasan bien y saben como trasmitirlo. Pero sus canciones no me llegan, me dejan indiferente. No consigo engancharme al espiritu “The Flaming lips”. Aunque reconozco que, como en el caso de Kaiser Chiefs, conciertos como este son necesarios en un festival porque agitan y animan al público.

Arcade Fire: Con PJ eran los conciertos que me esperaba. Esos dos justificaban de por si mi asistencia al festival. Lo que viví hace un par de años en Portugal viendo a esta banda no se puede explicar con palabras, hay que sentirlo. Y si bien dieron un gran concierto, no llegaron a la cota de emoción de aquel día. No se si es algo premeditado y han querido dar a esta gira un carácter más sobrio, pero la sensación que da es de que han perdido parte de su espontaneidad y frescura. Lo que por suerte no han perdido son canciones. Y es un placer recuperar temas de su primer disco y descubrir como suenan en directo los del segundo. En resumen, un muy buen concierto algo que quizás le falto algo de potencia para hacerlo más emocionante.

Bloc Party: De todas las bandas surgidas en el Reino Unido en los últimos años, si hay que aportar por alguno creo que Bloc Party serían los elegidos. Tienen carisma y personalidad. Sus discos no son perfectos pero si muy buenos. Y su directo es proteico. Su contundencia y energía agitan al público. No tenía grandes expectativas con respecto al mismo (también porque pensaba que después de PJ y Arcade mi festival había terminado) pero la verdad es que me sorprendieron muy gratamente.

LCD Soundsystem: Pude ver muy poco pero tenía muy buena pinta. La carpa a tope, la gente sin parar de bailar… En el mismo estilo de !!!. Habrá que intentar ver a ambos grupos en una sala cuando salgan de gira.

Scissor sisters: Aunque son muy divertidos y tienen temas interesantes no me acaban de convencer. Y si a eso añadimos que actuaron a las 3:30 de la madrugada después de dos días de festival… Se acusaba el cansancio y había ganas de volver a casa.

Y poco más que contar del festival. La organización fue aceptable (nunca es perfecta pero los he visto mucho peores. Supongo que me he vuelto poco exigente), aunque deberían replantearse el tema de la carpas. Su aforo es limitado y cuando se llena el calor es insoportable. La gente tenía que salir de las en los conciertos de Jarvis y PJ porque no podía aguantar. Para compensar, un gran punto a su favor fue la puntualidad durante los dos días. Creo que el concierto que más se retrasó fueron 5 minutos.

Summercase (I)

2007-07-25T21:34:00.000+02:00

Y por fin llegó el Summercase. Han sido muchas semanas de espera, pendiente de las incorporaciones al cartel, los horarios (temiendo posibles solapamientos), la logística… El miércoles previo al festival visita de reconocimiento a Boadilla. Se trataba de buscar la mejor forma de llegar, saber donde se ubicaba el festival, encontrar sitio para aparcar. Y aunque en el fondo fue muy divertido, casi tardamos dos horas en llegar a Boadilla, después de perdernos una tres veces. Por suerte, una compañera de trabajo nos indicó una “ruta alternativa” bastante mas rápida (una media hora). Anécdotas aparte (al ser un festival urbano y dormir en casa la cosa da para menos), me centrare en la música y en lo que pude ver en esos dos días.

Jarvis Cocker: Posiblemente el concierto que me ganas tenía de ver ese día. Y no me defraudó. Es puro espectáculo. Sus movimientos, sus bailes, sus comentarios entre canción y canción… Todo lo que completa un buen concierto lo tiene. Lastima que su disco en solitario me deje un poco frío, exceptuando un par de canciones. Y por supuesto, ni rastro de su carrera con Pulp.

The Gossip: De este grupo solo conocía a su cantante, Beth Ditto. Y viéndola a ella y a sus casi 100 kilos de peso, nadie podría decir que en el escenario se mueve de la forma que lo hace. Formación tipo The White Stripes (guitarra y batería) mientras Beth agita el personal. Y vaya si lo consigue. Habrá que escuchar su disco porque en directo las sensaciones fueron muy buenas (aunque solo fueron 10 minutos).

Kaiser Chiefs: Me dieron lo que esperaba de ellos, diversión durante una hora. No pasarán a la historia de la música pero en este tipo de eventos se agradecen grupos como éste que hacen que botes, cantes y disfrutes como un enano. En lugar de acabar cansando, te recargan y te dan motivos para seguir de fiesta.

!!!: Y chk chk chk dinamitaron el festival. Vi algo menos de media hora, pero fue más que suficiente para comprobar la fuerza de esta banda. Arrollan. Rock, electronica, funk, dance... Reconozco que en disco no acababan de convencerme pero su directo es demoledor. Canciones energéticas que enganchan casi al instante y que convirtieron a la carpa en una olla a presión de enormes dimensiones. De lo mejor del festival.

Air: No entendía muy bien que hacían Air a esas horas en uno de los escenarios al aire libre. Y a pesar de que no fue un gran concierto, si agradecí que sonasen menos etéreos y mas contundentes. El mejor momento fue Playground love, incluida en la banda sonora de Las vírgenes suicidas. Siempre me había emocionado esta canción, pero poder escucharla en directo, al aire libre y de noche hizo que el momento fuese insuperable.

The Chemical Brothers: No puedo con ellos. No soy capaz de entrar en su rollito. Sus proyecciones no están mal pero me cargan. Como su música. Vamos, que no.

Los vídeos son francamente malos, pero es lo mejor que he podido encontrar por la red. Un día de estos llegará la segunda parte. Y de propina una colaboración de dos de los artistas de esta primera jornada: Beth Ditto y Jarvis Cocker.

Dúos

2007-06-29T20:28:00.000+02:00

No se si esto dará para una serie como en el caso de las versiones pero hoy abro la puerta a esa posibilidad. Y para inaugurar, que mejor que escuchar la profunda voz de Nick Cave acompañado de artistas muy distintas: la también australiana Kylie Minogue y la británica PJ Harvey.

Ambas canciones pertenecen al disco de 1996 "Murder ballads", una recopilación de temas nuevos y tradicionales basados en crímenes pasionales.

Supongo que algún día hablaré mas en profundidad de Nick Cave, un artista que no me acaba de llenar (todavía) pero que ha escrito algunas de las mejores canciones que he escuchado.

Nick Cave and Kylie Minogue - Where the wild roses grow

They call me The Wild Rose
But my name is Elisa Day
Why they call me it I do not know
For my name is Elisa Day

From the first day I saw her I knew she was the one
As she stared in my eyes and smiled
For her lips were the colour of the roses
That grew down the river, all bloody and wild

When he knocked on my door and entered the room
My trembling subsided in his sure embrace
He would be my first man, and with a careful hand
He wiped at the tears that ran down my face

[CHORUS]

On the second day I brought her a flower
She was more beautiful than any woman I'd seen
I said, "Do you know where the wild roses grow
So sweet and scarlet and free?"

On the second day he came with a single red rose
Said: "Will you give me your loss and your sorrow?"
I nodded my head, as I lay on the bed
He said, "if I show you the roses will you follow?"

[CHORUS]

On the third day he took me to the river
He showed me the roses and we kissed
And the last thing I heard was a muttered word
As he stood smiling above me with a rock in his fist

On the last day I took her where the wild roses grow
And she lay on the bank, the wind light as a thief
As I kissed her goodbye, I said, "All beauty must die"
And lent down and planted a rose between her teeth

[CHORUS]

Nick Cave and PJ Harvey - Henry Lee

Get down, get down, little Henry Lee
And stay all night with me
You won't find a girl in this damn world
That will compare with me
And the wind did howl and the wind did blow
La la la la la
La la la la lee
A little bird lit down on Henry Lee
I can't get down and I won't get down
And stay all night with thee
For the girl I have in that merry green land
I love far better than thee
And the wind did howl and the wind did blow
La la la la la
La la la la lee
A little bird lit down on Henry Lee
She leaned herself against a fence
Just for a kiss or two
And with a little pen-knife held in her hand
She plugged him through and through
And the wind did roar and the wind did moan
La la la la la
La la la la lee
A little bird lit down on Henry Lee
Come take him by his lilly-white hands
Come take him by his feet
And throw him in this deep deep well
Which is more than one hundred feet
And the wind did howl and the wind did blow
La la la la la
La la la la lee
A little bird lit down on Henry Lee
Lie there, lie there, little Henry Lee
Till the flesh drops from your bones
For the girl you have in that merry green land
Can wait forever for you to come home
And the wind did howl and the wind did moan
La la la la la
La la la la lee
A little bird lit down on Henry Lee

Rufus Wainwright

2007-06-26T21:20:00.000+02:00

Conciertos como el de Rufus Wainwright celebrado el jueves pasado en La Riviera son de los justifican el precio (desorbitado) de las entradas. Había escuchado sus dos últimos discos y no estaban mal, pero no me emocionaban. Sin embargo, trasladado al directo, todas las piezas encajan. Toda esa teatralidad y barroquismo cobran forma y sentido. Y lo que antes era simplemente curioso, se convierte en algo emocionante y divertido. Te transforma en una persona feliz y agradecida por el espectáculo que acabas de presenciar.

Después de este primer párrafo, podría parecer que fue la actuación perfecta. Y sin embargo, no fue así. El sonido durante la práctica totalidad del concierto fue horroroso. No solo por el hecho de que en ocasiones la voz de Rufus quedase sepultada bajo ciertos instrumentos, si no porque ni siquiera éstos sonaban conjuntados (creo que técnicamente se dice empastados, pero no tengo ni idea…). Parecía que no había habido prueba de sonido y que allí cada uno iba por su lado. Por eso, es más valorable si cabe la actuación de nuestro anfitrión esa noche. Por que Rufus es, en el fondo, puro espectáculo. Más allá de que la sangre artística corra por sus venas (es hijo y hermano de cantantes) y de su impresionante voz, el músico canadiense es un showman. Lo primero que se agradece es su predisposición. Estoy cansado de músicos de mala leche permanente, que parece que te están haciendo un favor. Mantener la sonrisa en los labios durante todo el concierto no es habitual. Aunque supongo que para alguien que sale al escenario con un traje tirolés, no debe ser del todo complicado. Se ríe porque, ante todo, sabe reírse de si mismo. Y, sobre todo, no hay cosa que mas contagie a un público, que comprobar que el artista está disfrutando del espectáculo. Y eso es lo que consiguió Rufus durante su espectáculo.

Durante las casi dos horas de concierto hubo tiempo para repasar parte de sus éxitos y presentar una gran parte de las canciones de sus último disco. Aunque sin duda, el momento álgido de su actuación llegó durante el bis con su particular homenaje a Judy Garland. Después de un par de temas interpretados al piano, en los que aparece vestido con una bata blanca ocurrió esto (los acompañantes son el resto de su banda)

En definitiva un concierto de esos que dejan con ganas de más y al que se le puede aplicar ese tópico de “la magia del directo”

Versiones (II)

2007-06-20T22:19:00.000+02:00

Nuevo capítulo en lo que, desde hoy, se convierte en la serie de versiones. Y hoy toca una muy especial. Lo es por el grupo que la compuso, posiblemente el más influyente del siglo pasado, The Beatles. Lo es por la artista que realiza la versión, Fiona Apple. Fiona es, actualmente, mi artista favorita. Como bien decía Heitor el otro día en su blog al respecto de Queen, en algún momento escribiré un post sobre ella. Pero no me siento preparado. Creo que, con mis palabras, no voy a hacer justicia a su música. Ya llegará el momento. Y es especial porque, como en el caso anterior, aunque se trata de una versión podría ser una canción de la propia Fiona, puesto que cuenta con todas las características propias de sus temas. Si a todo esto añadimos que se trata de una canción preciosa y que su estribillo da título a mi blog, queda suficientemente explicado mi devoción por ella.
Esta canción forma parte de la banda sonora de la película Pleasantville (aparece en los títulos de crédito), que cuenta la historia de dos hermanos que, gracias a un mando mágico, acaban en el interior de una antigua serie de televisión americana y de como su aparición influye tanto en la apacible vida de los protagonistas de la serie como en la de ellos mismo.

Across the universe - The Beatles

Across the universe - Fiona Apple

Suede

2007-06-17T15:58:00.000+02:00

Suede es una banda muy especial para mí. Hasta aquel momento (año 2003), mis gustos no diferían demasiado de los de la mayoría de la gente. La primera vez que los escuché fue en los 40 (sí, yo también escuchaba las 40). El locutor comentaba el gran éxito que estaban cosechando en el Reino Unido y su parecido con David Bowie (a quien, por supuesto, yo no conocía). Cuando sonó Animal Nitrate, me quedé sorprendido del sonido, totalmente distinto a lo que había escuchado hasta aquel momento y de la voz de Brett Anderson, su cantante.

Cuando compré el disco y pude escucharlo en su totalidad, comprendí qué era lo que hacía aquella música tan especial. Y eso eran sin duda, sus guitarras. El genio tenía nombre y apellido, Bernard Butler. Como no soy un gran especialista en la materia, me cuesta encontrar adjetivos para describir ese sonido (¿Heitor, te atreves?). Pero si sé que era capaz de transmitir descaro, arrogancia, energía... Esta colección de enormes canciones hizo que Suede se convirtiese en mi banda favorita de la época.

Un año después publicarían Dog Man Star, su álbum definitivo. Sus señas de identidad seguían ahí, pero lo que convertía a este disco en único e insuperable era su épica. Y se notaba fundamentalmente en sus dos elementos más característicos. La voz de Brett Anderson era más madura, más pesada. Y las guitarras eran menos urgentes y más dramáticas. Todo encajaba a la perfección en este disco. Preciosos temas de 5 minutos (The wild ones) se alternaban con otros de más duración en las que esa épica de la que hablaba antes lo inundaba todo (The asphalt World).

Todo hacia indicar que Suede sería la gran banda británica de la década. Sin embargo, las cosas se torcieron debido a la tremenda batalla de egos entre sus dos cabezas pensantes. Esto trajo como consecuencia el abandono de Bernard Butler de la formación. En alguna entrevista que pude leer, Brett afirmaba que Butler no había participado en la grabación del disco y que las guitarras eran suyas. Me cuenta creerlo. Quizás sí lo sean, pero estoy convencido de que la composición de las misma era de Bernard.

En su tercer disco un nuevo giro a su sonido, aunque en esta ocasión con menos éxito. Coming up contenía los temas mas pop de Suede hasta la fecha y, aún siendo un buen álbum con algunas grandes canciones, no llegaba al nivel de los dos primeros. Habían perdido fuerza y peso. Su nuevo guitarrista, Richard Oakes, era francamente bueno en la ejecución (su concierto en la Riviera en Noviembre de 1996 fue excelente) pero era evidente que parte de la magia se había perdido durante el proceso de composición. A cambio, Suede se habían convertido en un fantástico grupo en directo algo, de lo que adolecían en sus comienzos. Brett se había transformado en un autentico animal de escenario y sus compañeros le secundaban de forma muy efectiva. Y continúo siendo así durante sus últimos años, en el que publicaron un par de discos más (Head Music, con algún tema rescatable y el infumable A new morning) que al menos sirvieron para poder disfrutar de ellos en directo. Se separaron en 2002 y, aunque hace un par de años, Brett y Bernard volvieron a reunirse bajo el nombre de The Tears, era evidente que los buenos momentos habían pasado.

Para los videos he elegido dos que hablan a las claras del nivel creativo de la banda en sus buenos momentos. La primera es de un EP que publicaron el 14 de Febrero de 2004 y lleva por título Stay together y la segunda (Europe is our playground) es del año 96 y fue cara b del single Trash.

Stay Together

Europe is our playground

Enhorabuena Magú!

2007-06-15T17:50:00.000+02:00

Hoy nuestra abogada preferida ha jurado su cargo (o algo así... Lo siento Magú!). Por lo que cuentan las crónicas, el acto ha estado muy bien, pero tengo muchísimas ganas de que su protagonista me cuente que ha sentido y como se lo ha pasado. Espero su relato esta noche.

De momento me conformo con felicitarla, desearle muchos éxitos tanto en el plano personal como profesional y dedicarle esta canción que, por lo que me han chivado, le encanta.

Lo dicho: ¡Muchas felicidades, Magú!

Versiones

2007-06-14T15:58:00.000+02:00

Nunca he entendido las versiones que no aportan nada nuevo al original. ¿Cuál es la necesidad de tener dos canciones iguales interpretadas por músicos distintos? Una versión debe ser aquella que, tomando un original, lo utiliza como modelo para crear algo diferente, con estilo y personalidad propia.

Esto es lo que yo entiendo por una verdadera versión.

PJ Harvey & Björk - Satisfaction

Jeff Buckley

2007-06-11T23:00:00.000+02:00

A finales de los 90 aparecieron en el Reino Unido una serie de bandas (Coldplay, Travis, Muse…) que, si bien con los años han ido personalizando su estilo, compartían un punto de partida común: sus referencias. Y entre ellas dos prevalecían sobre el resto: Radiohead (The Bends y OK Computer) y Jeff Buckley. Dejaré para otro día a la banda de Oxford.

Jeff Buckley publicó en 1994 su primer y único disco en solitario, Grace. Un disco de rock clásico, en el que se alternaban temas muy contundentes con impresionantes baladas que ponen la piel de gallina. Pero lo realmente sobrecogedor en Grace es la impresionante voz de Jeff, con un rango vocal de 4 octavas y media (como curiosidad diré que Ella Fitzgerald tenía un rango de 3 octavas y Freddie Mercury 3 octavas y media). Todo esto hacía de Grace un disco intenso y muy emocionante. A pesar de sus discretas ventas, la crítica lo consideró uno de los discos del año.

Semejante debut hacía presagiar una carrera fulgurante. Sin embargo, dicha carrera se vio truncada en Mayo de 1997, cuando Jeff se encontraba en Memphis comenzando la grabación de lo que iba a ser su segundo álbum, My sweeheart the drunk. Una visita al río Wolf (un afluente del río Mississippi) y la temeraria decisión de darse un baño vestido dieron como resultado un fatal desenlace. Su cuerpo fue hallado cinco días después e identificado gracias a un particular piercing que llevaba en el ombligo.

Tras su muerte, numerosos artistas (Aimee Mann, PJ Harvey, Rufus Wainwright…) le han homenajeado versioneando sus temas o por medio de canciones propias. Caso aparte merece Chris Cornell, cantante de Soundgarden y amigo personal de Buckley. Él y Mary Gilbert, la madre de Jeff, se encargaron de recopilar las últimas sesiones de grabación que fueron publicadas en 1997 bajo el titulo de Sketches for My sweetheart the drunk.

Grace

Last goodbye

Bush - Little things

2007-06-09T15:00:00.000+02:00

Año 1994. En los EEUU el grunge se consolidaba como el estilo dominante de la década. En Europa, nuevos grupos como Suede o Blur comenzaban sus carreras en lo que sería el origen de ese cajón de sastre llamado britpop. Y en ese año (aunque la banda se había formado dos años antes), Bush decidían nadar contracorriente. A pesar de ser una banda británica, sus referencías estaban al otro lado del charco. Y ese primer disco (Sixteen stone) lo dejaba muy claro. Voces crispadas, guitarras aceleradas, furia desatada...

Dos años después publicaron su segundo disco (Razorblade Suitcase), no tan contudente y en el que se apreciaba un ligero acercamiento a la electrónica, pero que contenía algunos temas interesantes. Y partir de ahí (como pasa muy a menudo) caída libre.

Así que, como siempre, disfrutaremos de uno de sus grandes momentos.

A bleach of sky
Every night
Loaded on wrong
And further from right
Spinning around
Two howling moons
'Cos there always there
Whatever I do

The river is loaded
I've been there today
Took it some questions
She does me again
I'd die in your arms
If you were dead too
Here comes a lie
We will always be true

Chorus:
Going up
When coming down
Scratch away
It's the little things that kill
Tearing at my brains again
The little things that kill
The little things that kill

Bigger you give
Bigger you get
We're boss at denial
But best at forget
Cupboard is empty
We really need food
Summer is winter
And you always knew

Repeat Chorus

I touch your mouth
My willy is food
Addicted to love
I'm addicted to fools (shit)
I kill you once
I kill you again
We're starving and crude
Welcome my friends to

Repeat Chorus

Here come the new things
Here come the new..

PD: A modo de curiosidad, su cantante, Gavin Rossdale, está casado con una de las divas más cool del momento, Gwen Stefani.

Para Chan y su dragón albino

2007-06-06T23:04:00.000+02:00

Me encanta Marlango. Especialmente para los malos momentos. Su melancolia hace que me sienta peor de lo que estoy y eso, por muy negativo que pueda parecer, me gusta (catarsis?).
Llevo toda la tarde pensando en poner su tema más alegre (It's all right), pero acabo de decidir que es mejor poner uno de cada (el triste iba a ser Beautiful mess, pero no lo he encontrado, así que pondré Gran Sol que es mucho más deprimente) y que cada uno elija en función del día que haya tenido.

Gran Sol

It's all right

A Perfect Circle - Judith

2007-06-05T22:28:00.000+02:00

Un caso en el que imagen y sonido se complementan a la perfección: La potencia sonora de la banda de Billy Howerdel y Maynard James Keenan (Tool) sirven de base a David Fincher para realizar un vídeo sucio y aspero (¿reminiscencias de Seven y El club de la lucha?).

Afghan Whigs - Gentleman

2007-06-02T09:54:00.000+02:00

Si tenías una banda en los 90 y grababas para Subpop, era más que probable que todos te metiesen en el saco del grunge. Y sin embargo, Afghan Whigs, consiguieron alejarse de este movimiento con su mezcla de rock y soul. Quizás hubiesen tenido más éxito de haberse alineado con un estilo que, en aquella época, arrasaba, pero habría perdido parte de su ser. Y a eso se le llama personalidad. Una personalidad que representa de forma perfecta su frontman, Greg Dulli. La fuerza de su banda es el complemento ideal para su voz contudente y poderosa. Afghan Whigs se movían con soltura en todos los terrenos, ya fuesen canciones lentas y deprimentes como en sus temas más enérgicos y rabiosos.

El próximo lunes se publica un recopilatorio, aunque pienso que merece la pena escuchar cada uno de sus discos para ver la evolución de una de las bandas más importantes de la década pasada en los Estados Unidos.

Y como curiosidad, diré que Afghan Whigs son la banda que aparece en la maravillosa película Beautiful girls tocando en el bar al que Paul (Michael Rapaport) lleva a Andera (Uma Thurman) para poner celosa a Jan (Martha Plimpton)

The Cardigans - Rise and Shine

2007-05-30T21:03:00.000+02:00

Desde hace algún tiempo corre el rumor infundando de que sólo escucho música rara y deprimente (rumor que, en ocasiones, yo mismo fomento). Pues para llevar la contraria (ese sí es un rumor totalmente cierto, siempre lo hago) hoy dejo una canción alegre y animada. No es la canción que más me gusta de ellos, pero si es la más contagiosa.

Rise & Shine

I want to be alone for a while
I want earth to breathe to me
I want the waves to grow loud
I want the sun to bleed down

see the waves go down
see the moon alone
see the world unshown
I raise my head and whisper

rise and shine
rise and shine my sister

I want to see the wounded moon
I want the sea to break through
I want it all to be gone tomorrow
so I've come to say goodbye...

Portishead: La eterna espera

2007-05-27T11:18:00.000+02:00

Uno nunca es muy consciente del paso del tiempo hasta que pequeños detalles o anécdotas lo dejan patente. El último caso ocurrió hace un par de días, mientras leía una noticia. En ella se afirmaba que el grupo de Bristol sería el encargado de elaborar el cartel de un próximo festival (All Tomorrow’s Party) a celebrar a final de año. Se comentaba también que seguía sin fecha la aparición de su tercer disco y que éste sería el primero en diez años. ¡Diez años! Lo recuerdo como si fuese ayer. Las primeras canciones en Radio 3 semanas antes de que apareciese. La emoción desbordante al comprobar que lo volvían a conseguir. Que la magia seguía ahí, intacta. Recuerdo también la miles de vueltas que di buscándolo el día que salía a la venta. Y las otras miles que di al día siguiente, esta vez con más suerte (los discos solían llegar a las tiendas al día siguiente de su publicación). A pesar de que mi interés por ellos era muy reciente, existía una razón de peso para tanta devoción. Y esa razón es Dummy.

Dummy (1994) es el primer disco de Portishead. Un clásico. Es triste, melancólico, intenso, emocionante, sorprendente… Es único. No se puede decir que se adelantase a su época porque ese mérito corresponde a Massive Attack y su Blue Lines (1991), que dieron origen al llamado sonido Bristol o Trip hop. Éste se caracteriza fundamentalmente por utilizar elementos propios de Hip hop o el Rap (samplers, scratching…), con otros pop, breakbeat, psicodelia… Y todo al servicio de unas voces privilegiadas como son las de, por ejemplo, Sarah Nelson y Horace Andy.

Es cierto que el punto de partida de Dummy es el mismo. Pero mientras Massive Attack lo llevaban a cabo aproximándose el rock y al reggae, Portishead decidieron escoger el camino del jazz y las bandas sonoras (son fans reconocidos de Ennio Morricone) y darle un barniz de simple y demoledora tristeza. Y en eso tiene mucha culpa su cantante, Beth Gibbons. Su voz sobrecoge, conmueve, acongoja. Tanto en los momentos más enérgicos como en los dramáticos. Llena de matices en cualquier registro… Es el alma de Portishead. Un alma, sin duda, herida.

Pero un disco no es solo una voz y hay que reconocer también el mérito de sus dos compañeros: Geoff Barrow y Adrian Utley. El primero se encarga de los platos y las programaciones, mientras que el segundo se ocupa básicamente de las guitarras. Geoff fue ayudante (chico de los recados) durante las sesiones de grabación de Blue Lines y es evidente que aprendió mucho durante las mismas. Suyo es el sonido Portishead.

Tres años después publicaron su segundo disco, Portishead (1997). Éste recibió críticas dispares. Unos lo consideraban demasiado continuista con respecto al primero mientras que otros apuntaban a un sonido más oscuro. Y en el fondo las dos cosas son ciertas. Es difícil evolucionar cuando tu primer disco es, en sí, una revolución. Era tan diferente a lo que se había escuchado hasta aquel momento que, o bien hacían algo totalmente distinto, o corrían el riesgo de que se les tildase de repetitivos. Sin embargo, menospreciar temas del nivel de Cowboys, All mine u Over sería estúpido. Es cierto que suena más oscuro, pero también más compacto, más duro, más dramático…

Y a partir de ese momento, el silencio. Publicaron el año siguiente un disco en directo (Roseland NYC Live) grabado en Nueva York durante la presentación de su segundo disco. Desde entonces, los hemos visto aparecer en multitud de proyectos como colaboradores: Geoff ejerciendo de productor y Adrian tocando múltiples instrumentos. Beth publicó un disco con Rustin´Man (Paul Webb) titulado Out of season. En él, la electrónica dejaba paso al folk. Si bien no es un disco tan redondo como los de Portishead, tiene canciones preciosas como Tom the model y Misteries, en las cuales, como siempre, la voz de la Gibbons sobresale de forma espectacular.

Espero su regreso desde hace diez años. No necesito que vuelvan a revolucionar la música. Sólo que sean capaces de dejarme diez o doce canciones que me conmuevan. Mientras tanto, seguiré disfrutando de sus discos. Porque en el fondo, aunque no estén, nunca se han ido.

Roads

Tom the Model - (Beth Gibbons & Rustin' Man)

Keren Ann - Lay your Head Down

2007-05-24T23:11:00.000+02:00

The work of...(I)

2007-05-24T22:00:00.000+02:00

The work of es una colección de DVDs que recoge el trabajo de, probablemente, los mejores y mas influyentes directores de videoclips de los últimos años. Siempre ha sido éste un campo infravalorado, a pesar de que del mismo han salido directores de la talla de David Fincher. Sin embargo, los actuales avances técnicos unidos a la aparición de un grupo de nuevos talentos, ha hecho que este género haya cobrado la importancia que, sin duda, se merece. De este grupo tan heterogéneo, unos destacan por su fuerza visual, otros por las historias que cuentan, la ambientación… El caso es que cada uno cuenta con un estilo propio muy personal y reconocible.

Esta colección está editada por el sello Palm Pictures y, hasta ahora, se han realizado siete DVDs en dos tandas (primero tres y después los otros cuatro). Cada uno incluye una extensa recopilación de los videos dirigidos por cada director y se completa con entrevistas y otros proyectos (cortos, extractos de películas….).

Los tres primeros están dedicados a:

Spike Jonze: Quizás el más conocido de todos, no solo por su faceta como director de cine (Ser John Malkovich y Adaptation, el ladrón de orquídeas) y actor (Tres reyes) sino también por su vida personal (estuvo casado con Sofia Coppola). Es posiblemente el más variado en cuanto a planteamiento. Ha dirigido videos con actuaciones (Weezer-Buddy Holly), musicales (Björk-It´s oh, so quiet) y ha conseguido hacer bailar a Christopher Walken (Fatboy Slim-Weapon of choice) con brillantes resultados. Pero sus mejores videos son en los que deja salir su lado gamberro (no olvidemos que es uno de los creadores del programa de MTV Jackass. Y dos ejemplos de esto son Sabotage (Beastie Boys) y Praise you (Fatboy Slim).

Trailer

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Beastie Boys - Sabotage

Michel Gondry: A este hombre no le viene grande aquello de poseer “un universo propio”. No hay mas que ver sus películas (Olvídate de mí, La ciencia del sueño…) para comprobarlo. Un mundo en el que realidad y ficción se entrecruzan de manera constante. Y todo unido a un estilo visual también muy característico (fue el creador del efecto bala utilizado posteriormente en Matrix). Capaz de construir pequeñas fantasías de 5 minutos (Björk-Bachelorette, Foo Fighters-Everlong…), es, sin embargo, un video muy simple y a la vez laborioso (The White Stripes-Fell in love with a girl ) su mejor trabajo hasta la fecha. La canción, simplemente perfecta, también ayuda.

Trailer

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The white stripes - Fell in love with a girl

Chris Cunningham: Otro director muy especial. Cunningham es el rey de la pesadilla. Sus videos suelen ser oscuros y retorcidos, llegando a veces a resultar desasosegantes (todos lo que ha dirigido para Aphex twin). Y aun en los videos más convencionales, su impronta siempre se ver reflejada (Björk-All is full of love, Portishead-Only You). Su trabajo en el campo de los efectos especiales (Alien 3 y Alien: Resurrection) tiene mucho que ver en esto.

Trailer

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Aphex Twin - Come to daddy

El resto, en otro post...

Joy Division - Love will tear us apart

2007-05-19T23:41:00.000+02:00

When the routine bites hard
and ambitions are low
And the resentment rides high
but emotions won't grow
And we're changing our ways,
taking different roads
Then love, love will tear us apart
again (4)

Why is the bedroom so cold
Turned away on your side?
Is my timing that flawed,
our respect run so dry?
Yet there's still this appeal
That we've kept through
our lives
Love, love will tear us apart again (4)

Do you cry out in your sleep
All my failings expose?
Get a taste in my mouth
As desperation takes hold
Is it something so good
Just can't function no more?
When love, love will tear us apart
again (4)

Joanna Newsom: Ys

2007-05-16T21:58:00.000+02:00

Cada cierto tiempo, el universo indie se ve sacudido por propuestas que parecen totalmente alejadas de los cánones establecidos. Pasó hace un par de años con Anthony Hegarty y su banda Antony and the Johnsons. En este caso le llega el turno a Joanna Newsom, una chica de 25 años, que fue la sensación en los medios especializados durante el año pasado y lo que llevamos de éste con su disco Ys. Así fue como empecé a oír hablar de ella. Retomé el tema cuando me enteré de su, en aquel momento, próxima actuación en Madrid. Cuando me hice con su último disco, la primera sorpresa: 5 canciones, 55 minutos. Pero esto solo es la primera de muchas. Los temas se sustentan en dos elementos fundamentales, el arpa y la voz de Joanna. Una voz llena de registros, de matices, que a primera escucha descoloca (en el fondo toda la propuesta lo hace) pero que, una vez acostumbrado, suena irresistible. Como acompañamiento, más instrumentos de cuerda, viento y voces. Es un sonido desnudo, sin artificios ni complejos. Lo que, a simple vista, podría parecer fácil y conservador, se convierte en algo muy atrevido y sugerente. El mundo al revés. Consigue sonar moderna de la forma más clásica posible. Y todo esto apoyándose en dos grandes referentes de la música actual, como son Steve Albini en la producción (Nirvana, Pixies, PJ Harvey…) y Jim O’Rourke como colaborador (Sonic Youth, Wilco…).

Todo esto ha hecho que se empiece a hablar de ella como la nueva Björk (supongo que tomando como ejemplo de la islandesa sus discos Vespertine y Medulla). Pero nada más lejos. Todo en Björk suena contemporáneo, mientras en Ys, encontramos elementos arcaicos (que nos recuerdan películas medievales) como incluso intemporales, derivadas de cuentos o leyendas mitológicas (algo que se ve reforzado por las letras). Diría que su mundo esta más cercano al de Cocorosie. Cierto parecido en la voz y la aparente “ingenuidad” de su propuesta serían sus puntos en común.

Todavía no he caído rendido a sus pies, pero todos los indicios me llevan a pensar que no tardaré mucho. La única duda que me genera es que el planteamiento pueda llegar a ser repetitivo y cansar. Para comprobarlo habrá que revisar su discografía anterior y esperar al siguiente disco. En ese momento sabremos si estamos ante un elfo (en algunas fotos es lo más parecido que he visto a la Galadriel de "El señor de los anillos" de Peter Jackson) tocado por los dioses o ante un músico en un momento de inspiración.

La primera canción de Ys se titula Emily (dejo un link; Hector se puede! radioblogclub). Se que con este post nunca me podré quitar la etiqueta de rarito, pero me da que ya era demasiado tarde.

PD: Celia, deberes para ti! Lo primero que se debe aceptar para ser moderna es que todo moderno es, en el fondo, un snob. ¿Qué quiero decir con esto? Pues que, te guste o no, tendrás que defender este disco a capa y espada. No hay otra opción posible. Aunque lo odies, tendrás que decir que es lo mejor que has escuchado el año pasado. Ha sido bendecido por la crítica y no hay más que decir. ¿O te crees que a mi me gusta? (jeje) Ya te dije que esto de ser moderno (casi prefiero lo de indie a moderno) es duro...

Malcolm Middleton: La soledad es esto

2007-05-15T14:05:00.000+02:00

Concierto raro el del sabado por dos motivos. El primero, la poca asistencia de público. El puente, precio de las entradas, saturación de conciertos… Pero me resisto a pensar que la propuesta del
ex-arab strap cause tan poca expectación. Y segundo, los clásicos problemas de sonido. Se ha convertido en algo habitual que batería y bajo tapen en muchos momentos el sonido de las guitarras, teclados y voces. Pero lo inesperado y lo que deslució un poco la actuación fueron los problemas de sonido de la propia banda y más concretamente del propio Malcolm. No sé como lo estaría escuchando a través de su monitor, pero se le notaba que no estaba cómodo y lo transmitía de vez en cuando cabeceando, gesticulando y pidiendo que le ajustasen el volumen de su micro y su guitarra.

Una pena porque canciones tiene y, obviando esos problemas, lo demostró en el escenario. Todo su repertorio pivota sobre un eje de melancolía y tristeza. Pero las ramificaciones de estas son múltiples y muy variadas. Desde temas claramente pop, otros casi punk, folk acústico… Poder tocar seguidas dos canciones como we’re all going to die y loneliness shines esta al alcance pocos (hicieron que levantara mi, en aquel momento, muy maltrecho ánimo). Y la banda que le acompaña consigue trasladar de forma perfecta las canciones sin perder la espontaneidad y fuerza que requiere un directo. Una cosa que me sorprendió muy gratamente y que creo que habla muy bien de la compenetración de la banda es que no existía set list. Después de cada tema, Malcolm les decía cual era la siguiente, se preparaban (cambio de instrumento, micro…) y el concierto continuaba. Quizás no sea un hecho muy llamativo pero a mi me parece que es de agradecer. Permite mucha más libertad y flexibilidad. Esto convierte el concierto en algo vivo y especial.

No hubo bises (quizás motivados por esos problemas de sonido). Después de aproximadamente una hora, la banda abandonó el escenario dejando a Malcolm solo con su guitarra para que interpretase un par de temas. Algunas miradas a su reloj nos recordaban que, por desagracia, él no estaba disfrutando tanto del concierto como nosotros. Después de estos, la banda hizo intención de retornar. Malcolm los frenó en un principio pero finalmente accedió y finalizaron el concierto con una canción de su último disco.

Y así finalizó un buen concierto que pudo haber alcanzado la cota de magnífico de no haber sido por esos pequeños detalles. Pero ahí radica la diferencia entre un disco y un concierto. En este último entran en juego muchos más factores. Es mucho más complejo, pero cuando las cosas funcionan, no hay nada comparable a las sensaciones que provoca.

... And finally, the cat miaowed

2007-05-13T21:10:00.000+02:00

El concierto del miércoles es de los que dejan huella. Pasan los días y recuerdas canciones, imágenes, sentimientos… Esos pequeños momentos que distinguen los buenos momentos de los realmente especiales.

No comentaré mucho de Dexter Romweber Duo, la banda que ejercía de telonera. Ni les presté mucha atención ni ellos me dieron motivos para hacerlo. Formación modelo The White Stripes (chico a la guitarra y las voces y chica a la batería) y un estilo parecido, pero faltos de sus canciones y también de su glamour (hay gente que además de ser buena, sabe venderse)

Antes de comenzar el plato fuerte, primera sorpresa. Como ya había comentado en un post anterior, eran conocidos los problemas de Cat Power en directo. Pues bien, cuando sólo habían pasado 10 minutos de la hora marcada para el inicio del concierto, un sector del público comenzó a silbar de forma ostensible. Entiendo que no por ser quién es se le va a disculpar todo. Pero generar más tensión de la necesaria cuando el retraso todavía era mínimo, me parece poco inteligente. Cuando la banda compareció, una cerrada ovación, hizo olvidar dicho momento.

La palabra que mejor define la primera parte del concierto es expectación. Un gran silencio y todas las miradas puestas en ella. Se observaba cada gesto, cada movimiento. Sobre la sala planeaba el fiasco de las dos actuaciones anteriores y nadie quería que aquello se pudiese torcer. Después de cada tema aplausos que iban mas allá de la mera formalidad. Supongo que era la forma de tratar de arroparla y que se sintiese cómoda. Al quinto o sexto tema, llegó la presentación de la banda. Y por cierto, menuda banda. En Dirty Delta Blues se reúnen grandes músicos de otras formaciones que dan como resultado un grupo sólido y muy profesional con un sonido que complementa de forma perfecta la maravillosa voz de Chan. A continuación, hizo lo propio consigo misma. Y nos hizo saber que estaba de mal humor y que eso no le gustaba nada. Después del siguiente tema, salida del escenario y momentos de tensión. Tensión que fue liberada en el momento en que reapareció minutos después. Y ese fue uno de los momentos claves. La gente respiró tranquila, intuyó que todo saldría bien y se soltó. Y creo que ella también. Desde ese momento, comenzó a mostrarse mucho más accesible y divertida, regalando sonrisas y gestos cómplices que provocaron que aquello se convirtiese en una fiesta. Esto continúo hasta su segunda salida del escenario, larga. Demasiado. El grupo realizaba una intro de un tema y esta se alargaba sin que ella apareciese. De vez en cuando se escuchaban voces que provenían de su micrófono, pero ella seguía sin salir. Todo volvió a la normalidad cuando reapareció y nos preparamos para el delirio. Una apoteosis en la que nos obsequio con un “fucking spanish, you’re making me smile” Y era cierto. Chan Marshall, la cantante arisca y de mal carácter, estaba disfrutando. Para concluir se despidió diciendo que había sido “su concierto favorito” (queda la duda de si era el favorito de la gira, de sus conciertos en Madrid o de su vida) a lo que correspondimos con la mayor ovación que yo he escuchado en un concierto en sala en mi vida. Y por último un gesto final que demuestra lo que allí aconteció. Al finalizar la actuación, Chan permaneció media hora al pie del escenario firmando autógrafos, dando besos y haciéndose fotos (video).

Solo un pequeño pero. La elección de su banda de acompañamiento y la ausencia de instrumentos de viento, tanto en directo como grabados, hizo que el concierto tuviese un cariz más blues de lo que su último disco ofrece. Esto no es ni bueno ni malo. Pero reconozco que la interpretación de The Greatest, mi tema favorito, no me emocionó tanto como esperaba.

En resumen, concierto de los grandes y la esperanza de que Cat Power haya dejado atrás todos sus fantasmas y su mala fama.

Reactable

2007-05-09T16:40:00.000+02:00

Como diría Hector, Björk siempre ha sido una tía rara. Yo lo dejaría en especial. Siempre ha intentado dar una vuelta de tuerca más a su sonido. Incluso hasta pasarse de rosca como en Medulla, su penúltimo disco, hecho simplemente con instrumentos de cuerda y voces. Pero no se le puede negar ese afán por innovar, explorar, arriesgar. Ya tengo mi entrada para verla en Las Ventas dentro de su gira Volta. Gira en la que cuenta con un nuevo artilugio: Reactable. Este instrumento electrónico consta de una mesa luminosa sobre la que se colocan diferentes objetos que producen múltiples sonidos, dependiendo del tipo de objeto y de su posición en la mesa.

Reactable ha sido creado por los investigadores del Grupo de Tecnología Musical de la Universitat Pompeu Fabra. Sus principales actividades se centran en el diseño de nuevos interfaces musicales, como instrumentos tangibles o aplicaciones musicales para dispositivos móviles.

Hace unos meses tuve la oportunidad de verlo en el programa “El Hormiguero” de Cuatro y me quedé perplejo. Solo espero que algún día se comercialice una versión mini…

Es complicado explicar en que consiste, así que la mejor forma de entenderlo es viéndolo. Y de propina, Björk en el festival de Coachella con quizás la canción mas desconcertante de su carrera, Declare Independence

CSS (Cansei de Ser Sexy)

2007-05-08T22:48:00.000+02:00

No ha sido un día especialmente bueno (stop alarmas. todo está bien. ya sabéis que soy muy crítico conmigo mismo) y tampoco hay demasiadas ganas de escribir. Pero empieza a fastidiarme el pasar días sin dejar algo por aquí. Así que hoy poco texto y un par de videos.

Soy adicto a los hypes. Un hype se produce cuando a un disco (o libro, película...) se le da una publicidad desproporcionada con respecto a los méritos adquiridos. En esto los ingleses son unos auténticos maestros. Son capaces de encumbrar a grupos que todavía no han publicado nada. El NME(New Musical Express, algo así como el Hola de la prensa musical británica) encuentra al nuevo grupo de la década cada seis meses... Todo esto no parecen datos especialmente positivos. Pero después de toda esta literatura, lo que finalmente queda es la música. Y reconozco que he disfrutado como un enano con los primeros discos de Arctic Monkeys, Lily Allen o CSS. ¿Cómo será su segundo disco? ¿Y por qué preocuparse? Si no estamos en una etapa de trayectorias consistentes, entreguémonos a los hypes!!

He elegido a Cansei de Ser Sexy porque su descubrimiento ha sido el más tardío. Tanto Arctic Monkeys como Lily Allen alegraron mi último año en casa. Ahora es el turno de las brasileñas. Cuenta la leyenda que su nombre está tomado de una entrevista que le hicieron a Beyoncé en la que declaraba estar "cansada de ser sexy". Mezclan bases electrónicas con unas letras muy explicitas, siguiendo la senda abierta por Peaches, aunque con un estilo claramente más pop. Y sobre todo, su música contagia, anima, pide fiesta... El cuerpo me pide escucharlas a cada rato.

No puede verlas aquí. Siguiente oportunidad: Paredes de Coura el 15 de Agosto. Como a todo grupo, hay que verlo en su mejor momento. Y ese momento es ahora. Para algo son un hype. ¿O no? El tiempo lo dirá.

Aquí dejo un par de muestras. Off the hook y Alala. Como canción me quedo con la primera. Como video, el segundo es sorprendente

PD: Mañana Cat Power. A ver que pasa...

Conciertos de la semana (I)

2007-05-06T20:37:00.000+02:00

Una de las ventajas de vivir en una gran ciudad es que, al menos, hay un concierto interesante cada semana. Y no suele tratarse de gente a la que solo conoces de nombre y vas por hacer algo, sino que son artistas o grupos a los que tienes ganas de ver. Dos son los motivos por los que todavía no he asistido a ninguno: el precio y la compañía. Los conciertos aquí (salvo contadas excepciones) no bajan de 20 euros y claro, el sueldo no da para tanto. Y en cuanto a la compañía, he ido muchas veces solo al cine. Pero, no se muy bien porque, a un concierto me da más pereza. Ayer, después de un día raro en la Fnac, decidí que había que lanzarse y compré una entrada para ir a ver a Malcolm Middleton el próximo sábado. Malcolm Middleton formó parte durante 10 años de Arab Strap, grupo que os animo a todos a escuchar si tenéis un mal día y lo que queréis es tocar fondo de manera inmediata. Antes de su separación, ya había editado dos discos (5:14 Fluoxytine seagull alcohol john nicotine e Into the woods) y ahora viene a presentar su último disco A brighter beat.

Y ese era el plan hasta hoy. Y digo era porque me han propuesto ir a ver el miércoles a Cat Power y he aceptado encantado. Me encantaría poder decir que Cat Power (nombre bajo el que se esconde Chan Marshall) es mucho más animada que Malcolm Middleton. Pero no. Además, este concierto es todo un riesgo. Durante muchos años, Cat Power ha tenido un tremendo miedo escénico. Para superarlo, solía salir a actuar totalmente borracha, lo que convertía sus conciertos en un autentico caos (equivocaciones, monólogos de 20 minutos…) En su anterior visita a Madrid, salió, actúo durante media hora y se marchó sin dar ninguna explicación. Afortunadamente, parece que ya ha superado todo esto. Y como sea así la cosa pinta bien, porque su voz ronca y áspera es de las más atráctivas de los últimos años y además porque su último disco es muy bueno. Asi que, si finalmente acabó yendo, os pediría que le pusieseis una velita a todos los santos en los que confiéis y que recemos todos para que la chica se levante de buen humor. Y si no es así, al menos que le de tiempo a tocar The Greatest...

Tristam Shandy: A cock and bull story

2007-05-06T17:07:00.000+02:00

La normal es empezar las cosas por el principio. Sin embargo, en el caso del periódico, mucha gente comienza por el final. Pues bien, durante una época y en periodos de tiempo muy concretos, yo empezaba a leerlo por la parte central. Lo abría por la sección de cultura y leía las crónicas de Ángel Fernández Santos o Carlos Boyero desde Venecia, Cannes, San Sebastián... Gracias a ellas fue como conocí a directores como Mike Leigh, Lars Von Trier, Darren Arafnoski… Y Michael Winterbottom. En 1999 llegó a Cannes con Wonderland, una muy buena película que contaba los problemas de comunicación de la sociedad actual a través de los existentes entre una familia obrera londinense. Seis años más tarde, presentó en San Sebastián, Tristram Shandy, a cock and bull story. Entre ambas, Winterbottom dirigió un western (El perdón), un “musical” en el que se cuenta la escena de Manchester entre finales de los 70 y principios de los 90 (24 hours party people), un par de falsos documentales (En este mundo y Camino a Guantánamo), una película con tintes futuristas (Código 46) y una en la que muestra la evolución de una relación a partir de sus encuentros sexuales y de los conciertos a los que asisten (9 songs). Nos encontramos pues ante un director inquieto, valiente y aunque, quizás algo irregular, siempre interesante.

Tristram Shandy avisa de sus intenciones ya desde su título. “A cock and bull story” puede traducirse literalmente ("una historia de una polla y un toro"), aunque su verdadero significado es lo que conocemos como “un cuento chino”. Y eso es lo que ofrece la pelicula. Una mentira de principio a fin. En ella asistimos al rodaje de la adaptación cinematográfica del libro La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy, clásico inglés del siglo XVIII e “inadaptable” según el criterio general. Su temática la emparenta con películas como Dulce Libertad (Alan Alda, 1985) y State and Maine (David Mamet, 2000), en lo que se conoce como “cine dentro del cine”. Sin embargo, mientras en estas dos películas sabemos desde el comienzo que estamos ante un rodaje ficticio, en Tristram esto no es tan evidente y, por momentos, da la sensación de que podríamos estar ante un making of .

A pesar de llevar ya dos meses en los cines, la sala estaba llena. Y se entiende el porqué. Winterbottom ha hecho una de las películas más graciosas de los últimos años. El guión (firmado por Frank Cottrell Boyce, colaborador habitual del director) es muy original y sobre todo, divertido. El elenco de actores está fantástico, empezando por la pareja protagonista, Steve Coogan y Rob Brydon. Juntos protagonizan quizás los mejores más hilarantes de la película. A destacar también la presencia Gillian Anderson, la agente Scully de Expediente X, con un papel muy pequeño y en el que demuestra que sabe reírse de sí misma (además de ser el centro de una de las conversaciones mas graciosas de toda la película) .

En resumen, una muy buena peli que podreis disfrutar... ya en DVD (creo que sus dias en las salas han finalizado)

¿Qué es ser indie?

2007-05-02T19:32:00.000+02:00

Muchas son las preguntas sin respuesta que inquietan a la humanidad: ¿Qué fue primero, el huevo o la ganilla? ¿Quién mato a Kennedy? ¿Es cierto que los americanos han estado en la Luna? (sí, ya se que de esto último hay pruebas, pero ¿qué queréis que os diga? Soy un escéptico) ¿Cómo alguien tan sumamente imbécil como Homer Simpson puede haber hecho tantas cosas en su vida?

Una de esas preguntas es ¿Qué hace que un grupo sea indie? Evidentemente no tengo una respuesta (iros acostumbrando a esto, muchas preguntas, ninguna respuesta...). Cuando este término comenzó a utilizarse en España a comienzos de los 90 (o al menos cuando yo empecé a oír hablar de él) parecía que solo estaba reservado a grupos raros, que subsistían en sellos discográficos pequeños de una forma totalmente amateur. Se organizo un gran revuelo (gran a escala indie, claro) cuando Los Planetas ficharon por RCA. Las cosas han cambiado mucho desde entonces. El movimiento indie se ha hecho mucho más visible. Y sin embargo, la pregunta sigue siendo tema de debate.

Creo que nada describe mejor mi opinión al respecto que este video que os dejo. La canción se titula “Sugarcube” y ellos son Yo la tengo. Yo la tengo son de Hoboken (New Jersey) y llevan más de 20 años (15 con la formación actual) haciendo la música que les gusta, sin preocuparse de modas. Como suele pasar en estos casos, son adorados por la crítica y unos grandes desconocidos para el gran público. Como anécdota tomaré de Wikipedia el origen de su nombre:

El nombre proviene de una anécdota del béisbol. Durante la temporada del año 1964, el jugador de los New York Mets, Richie Ashburn chocaba constantemente con su compañero venezolano Elio Chacón. Cada vez que Ashburn corría para atrapar la pelota, lo hacía gritando “I got it! I got it!” sólo para terminar chocando con los 73 kilos de Chacón que no entendía inglés. Ashburn, aburrido, aprendió a decir “¡Yo la tengo! ¡Yo la tengo!”. En un juego, luego de gritar “¡Yo la tengo!” vio feliz como su compañero Chacón se detenía. Corrió tranquilamente a detener la bola cuando choca con los 91 kilos de su compañero Frank Thomas, quien no hablaba español.

Y con respecto al video, creo que se comenta solo. Desconozco si la idea fue suya o del director, Phil Morrison (director también de Junebug, una comedia agridulce de 2006 que recibió muy buenas críticas). Pero refleja perfectamente su actitud con respecto al mundo de la música. Y cuando hablo de mundo lo digo en tono peyorativo. Entiendo que para la industria lo importante sea vender. Pero no el cada vez mayor interés la promoción, el merchandising… en detrimento del producto. Y por desgracia, en la actualidad esto ocurre cada vez más a menudo.

Por último, no me gusta nada el término indie. Bueno, lo que realmente odio es esa necesidad que tenemos de etiquetarlo todo. ¿Nos hace la vida más fácil? Recuerdo cuando leí la critica de Dummy, el primer disco de Portishead, en Rock de Lux. Los clasificaba como una mezcla de rock, blues, jazz, soul, down-tempo...(no recuerdo todos los términos pero eran unos siete). Lo siento, pero me resulta más fácil escucharlo. Aunque sea durante dos minutos. Desde hace tiempo, cuando hablo con alguien de un grupo y me pregunta qué tipo de música es, siempre digo lo mismo: “ni idea, te lo paso y me cuentas”. Y para demostrar que cumplo lo que digo, prometo escuchar en lo que queda de semana los CDs del musical “Hoy no me puedo levantar”.

PD: Impagable la frase: "Are you scared of making money?"

El inicio

2007-05-02T17:29:00.000+02:00

Mucho tiempo he estado resistiéndome a empezar esto. Como supongo que le pasa a la mayor parte de la gente, no creo que tenga nada interesante que contar. Todo lo que pueda escribir aquí habrá sido contado millones de veces antes. Pero la gente te anima a hacerlo. Y tengo un par de amigos muy pesados que me han dado el co….; perdón, muy insistentes que me han animado a hacerlo (Héctor, Celia, supongo que en algún momento os daré las gracias por esto. Pero no esperéis que sea a corto plazo…). Eso si, en algo tienen razón. Nadie lo va a contar igual que yo (o eso espero). Y además, este blog me permitirá comprobar si mi incapaz de escribir es general o simplemente se limita la ficción.

No me entretengo más. El primer post sirve para eliminar la temida página en blanco. Y con escribir tres líneas y colgar un video me doy por satisfecho. Ese video es de uno de mis grupos favoritos en la actualidad: The Arcade Fire. Acaban de editar su segundo álbum (“Neon Bible”) y en tres meses lo tendremos por aquí actuando en el Summercase (crucemos los dedos porque han tenido que cancelar la primera parte de su gira debido una bronquitis de su cantante.). Estos tíos en directo son intensos, emocionantes, sobrecogedores… Los he visto sólo una vez y en su primera canción ya tenía la piel de gallina.

El motivo de la elección de este grupo y del video es que describe lo que creo que será este espacio: imperfecto, excesivo y caótico. Por supuesto hay algo que nos separa. La genialidad.

Y ya sabéis: “not much chance for survival if the neon bible is right”